Expositions à Montélimar et alentour

Trail suivi d'un repas (aligot saucisse) et dégustation de vin Le Vinotrail revient pour une 10ème édition exceptionnelle ! Le dimanche 8 novembre 2026 à Montpeyroux. Inscription courses Vinorando 12km / D+400 Magnum 15km / D+500 Jéroboam 30km / D+1350 Inscription sur le lien de la plateforme Njuko https://in.njuko.com/vinotrail2026 Lien du PPS https://pps.athle.fr Pour les courses enfants,…

Découvrez Avignon autrement avec un jeu de piste sur smartphone à travers son centre historique. En toute autonomie, résolvez des énigmes, observez les monuments et plongez dans l’histoire. Partez à la découverte d’Avignon avec un jeu de piste ludique et culturel à réaliser en toute autonomie depuis votre smartphone.

Pendant environ 1h10, explorez le centre historique et laissez-vous guider d’étape en étape à travers ses ruelles, ses places et ses monuments emblématiques. À chaque étape, observez votre environnement, repérez des détails parfois insoupçonnés et résolvez des énigmes pour poursuivre votre aventure.

Le parcours vous fera notamment découvrir la collégiale Saint-Agricol, la place de l’Horloge et l’Hôtel de Ville, l’Opéra Grand Avignon, le célèbre Palais des Papes, la basilique Saint-Pierre et la tour Saint-Jean.

Au fil du jeu, façades anciennes, sculptures, symboles et détails architecturaux deviennent autant d’indices à observer et à décrypter. Les différentes énigmes permettent de découvrir progressivement l’histoire d’Avignon et les événements qui ont façonné son identité au fil des siècles.

La présence des papes a profondément marqué l’histoire, l’architecture et le patrimoine religieux de la ville. Cette promenade ludique permet ainsi de parcourir la cité des papes sous un autre angle, en associant observation, réflexion et découverte culturelle.

Le jeu se pratique en couple, en famille ou entre amis, avec des équipes de 1 à 4 joueurs utilisant un même téléphone. Aucun créneau horaire n’est imposé : une fois le parcours acheté et activé dans l’application Explorano, vous pouvez commencer quand vous le souhaitez et avancer à votre rythme.

Départ : 3 rue de la Petite Fusterie, 84000 Avignon
⏱ Durée indicative : 1h10
1 à 4 joueurs par équipe
Smartphone Android ou iPhone nécessaire
Difficulté : facile
Tarif : 19,90 € par équipe

Lancée à l'initiative du Président de la République, la consultation internationale Quartiers de demain, a mobilisé l'innovation architecturale, urbaine et paysagère afin d'accélérer la de dix et de… Lancée à l'initiative du Président de la République, la consultation internationale Quartiers de demain, a mobilisé l'innovation architecturale, urbaine et paysagère afin d'accélérer la transformation de dix quartiers et de capitaliser à l'échelle nationale en faveur de la politique de la ville. Elle permettra la réalisation de projets en capacité d'avoir un effet levier sur l'ensemble du quartier voire au-delà, en offrant une réponse aux attentes des habitants et une contribution exemplaire à la transition écologique.

Dans le cadre de la mission photographique portée par le Gip Epau pour la consultation internationale Quartiers de demain, dix photographes ont été invités à parcourir, durant toute l'année 2025, les dix sites engagés dans la consultation. À travers leurs approches singulières, ils ont saisi les paysages urbains, les usages, les transformations en cours, mais surtout les visages et les récits de celles et ceux qui habitent ces quartiers.

En 2025, Lola Reboud a parcouru le quariter du Petit Séminaire à Marseille, là où son père, Jacques Reboud, avait dans les années 1980 lui aussi réalisé un portrait photographique du même quartier et de ses habitants. Ce travail documentaire mèle ainsi images d'aujourd'hui et archives.

Découvrez Arles autrement avec un jeu de piste sur smartphone à travers son centre historique. En toute autonomie, résolvez des énigmes, observez les monuments et explorez l’héritage romain. Partez à la découverte d’Arles avec un jeu de piste ludique et culturel à réaliser en toute autonomie depuis votre smartphone.

Pendant environ 1h10, explorez le centre historique et laissez-vous guider d’étape en étape à travers ses ruelles, ses places et ses monuments emblématiques. À chaque étape, observez votre environnement, repérez des détails parfois insoupçonnés et résolvez des énigmes pour poursuivre votre aventure.

Le parcours vous fera notamment découvrir les célèbres Arènes d’Arles, le Théâtre antique, la cathédrale Saint-Trophime, la place du Forum et l’Hôtel de Ville, mais aussi la Porte de la Cavalerie, la fontaine Amédée Pichot et les Thermes de Constantin.

Au fil du jeu, façades anciennes, sculptures, symboles et détails architecturaux deviennent autant d’indices à observer et à décrypter. Les différentes énigmes permettent de découvrir progressivement l’histoire d’Arles et les nombreuses époques qui ont laissé leur empreinte sur la ville.

De son important héritage romain à son patrimoine médiéval et à son identité provençale, Arles dévoile ainsi plusieurs siècles d’histoire au fil d’une promenade mêlant observation, réflexion et découverte culturelle. Une manière originale d’explorer les incontournables de la ville tout en découvrant les histoires et les secrets qui se cachent derrière ses monuments.

Le jeu se pratique en couple, en famille ou entre amis, avec des équipes de 1 à 4 joueurs utilisant un même téléphone. Aucun créneau horaire n’est imposé : une fois le parcours acheté et activé dans l’application Explorano, vous pouvez commencer quand vous le souhaitez et avancer à votre rythme.

Départ : 2 rue de la Cavalerie, 13200 Arles
⏱ Durée indicative : 1h10
1 à 4 joueurs par équipe
Smartphone Android ou iPhone nécessaire
Difficulté : facile
Tarif : 14,90 € par équipe

Accueil > événements > Exposition – « Regarder à travers » de Raphaël Hardelin Lieu Centre André Malraux 10 avenue de la Moutte Castelnau-le-Lez, 34170 France + Google Map Téléphone : 04 67 02 99 40

Découvrez Aix-en-Provence autrement avec un jeu de piste sur smartphone à travers le centre historique. En toute autonomie, résolvez des énigmes, etobservez les monuments. Partez à la découverte d’Aix-en-Provence avec un jeu de piste ludique et culturel à réaliser en toute autonomie depuis votre smartphone.

Pendant environ 1h20, explorez le centre historique et laissez-vous guider d’étape en étape à travers les ruelles, les places et les monuments emblématiques de la ville. À chaque étape, observez votre environnement, repérez des détails parfois insoupçonnés et résolvez des énigmes pour poursuivre votre aventure.

Le parcours vous fera notamment découvrir la cathédrale Saint-Sauveur, la Tour de l’Horloge, l’église de la Madeleine, le Palais de Verdun, la fontaine du Roi René ou encore l’église Saint-Jean-de-Malte.

Au fil du jeu, découvrez les fontaines anciennes, les hôtels particuliers, les édifices religieux et les façades provençales qui témoignent du riche passé d’Aix-en-Provence. Blasons, sculptures, symboles et détails architecturaux deviennent autant d’indices pour progresser.

Des grandes heures de l’ancienne capitale de la Provence à la ville d’art et de culture d’aujourd’hui, le parcours permet également de partir sur les traces des personnages qui ont marqué Aix-en-Provence, notamment le roi René et Paul Cézanne.

Le jeu se pratique en couple, en famille ou entre amis, avec des équipes de 1 à 4 joueurs utilisant un même téléphone. Aucun créneau horaire n’est imposé : une fois le parcours acheté et activé dans l’application Explorano, vous pouvez commencer quand vous le souhaitez et avancer à votre rythme.

Départ : 34 place des Martyrs de la Résistance, Aix-en-Provence
⏱ Durée indicative : 1h20
1 à 4 joueurs par équipe
Smartphone Android ou iPhone nécessaire
Difficulté : intermédiaire
Tarif : 19,90 € par équipe

En 2026, les Musées de Marseille invitent l’artiste Adrien Vescovi à investir le Centre de la Vieille Charité. Pour la chapelle, ainsi que pour l’ensemble des coursives du site, l’artiste conçoit une installation inédite à l’échelle du monument dessiné par Pierre Puget au 17e siècle, et qui s’inspire de ce lieu d’exception.
Commissariat - Laëtitia Olivier, responsable des expositions, Musées de Marseille
Après Laure Prouvost en 2025, les Musées de Marseille renouvellent leur soutien à la création artistique contemporaine en invitant un artiste à s’emparer du Centre de la Vieille Charité pour y créer une oeuvre inédite, en dialogue avec ce cadre historique et majestueux. En 2026, en appui à la scène marseillaise et méditerranéenne, ils invitent l’artiste Adrien Vescovi, installé à Marseille, à investir non seulement la chapelle, mais aussi les coursives de l’ancien hospice sur ses différents niveaux, dans un temps de travail et d’exposition s’inscrivant volontairement dans la durée. Dans l’écrin de la Vieille Charité, jouant avec sa chapelle, ses coursives et les ombres, Adrien Vescovi imagine une installation pensée comme une invitation à la déambulation. Oeuvre mouvante, délicate et poétique, elle reliera les espaces et les regards, tissant un lien sensible entre l’architecture méditerranéenne du lieu et la création contemporaine.
L’oeuvre d’Adrien s’appuie sur une pratique textile, qui explore les résonances du geste artisanal. Chez lui, couture, teinture et matériaux modestes deviennent les porteurs d’une mémoire plurielle, qui fait aussi écho aux ateliers qui jalonnent depuis toujours les rivages méditerranéens. Au coeur de son travail, le tissu – et plus précisément le drap ancien : élément malléable, témoin du quotidien, territoire d’archives silencieuses. Qu’il soit marqué par le temps, imprégné de pigments naturels ou façonné par l’artiste, il accumule les empreintes – celles du passé jusqu’à celles, accidentelles, de sa présentation actuelle. Entre intime et dévoilement, il porte en lui la fragilité des vies humaines autant que la force des gestes qui les accompagnent.
Cette installation s’offrira à tous comme une expérience multiple : perception immédiate d’un dialogue avec l’architecture, sensibilité des matières, poésie plus secrète de strates temporelles qui se superposent. Dans le dialogue profond qu’elle entretiendra avec l’histoire de la Charité, elle proposera au visiteur une traversée, une suspension. Un temps pour éprouver la vibration discrète de la mémoire dans les fibres mêmes de notre monde.

Dos Mares développe, en partenariat avec l'Ambassade de France au Pérou et le Festival de photographie du nord du Pérou "Ver/Voir", un dispositif de résidence de recherche et d'exposition sur la… Dos Mares développe, en partenariat avec l'Ambassade de France au Pérou et le Festival de photographie du nord du Pérou Ver/Voir_, un dispositif de résidence de recherche et d'exposition photographique sur la scène péruvienne.
En juin et juillet 2026, nous accueillons l'artiste péruvien Lucio Mora en résidence de recherche-création. Cette résidence donnera lieu à une exposition présentée en France jusqu'à fin septembre, puis intégrée à la programmation du Festival Ver/Voir au Pérou en octobre et novembre 2026.
En 2027, un·e deuxième artiste sera accueilli·e, résidence en juin et juillet, et une exposition sera conçue à partir de l'immersion en France.
La collaboration avec le festival Ver/Voir existe depuis sa création en 2023 entre les villes de Trujillo, Piura, Chiclayo et Marseille.
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La pratique de Lucio Mora explore les relations entre mémoire, territoire et image, en observant comment les processus historiques, sociaux et culturels inscrivent leurs traces dans le paysage et dans le quotidien. Il travaille principalement à travers la photographie documentaire, la recherche visuelle et l’usage des archives, en abordant des questions liées à la transformation urbaine, aux migrations, à la construction des identités et aux diverses manières dont les communautés habitent leur environnement. Son travail prend racine dans la ville de Trujillo, entendue comme un espace de convergence de temporalités multiples, de conflits et de modes d’habiter en tension.
Lucio Mora (1984, Guadalupe, La Libertad, Pérou) est un artiste visuel diplômé de l’École Supérieure des Beaux-Arts de Trujillo « Macedonio de la Torre » (2009). Il a participé à de nombreuses expositions collectives et individuels au Pérou et à l’international. Il est lauréat du Prix de l’Ambassade de France au Concours de Photographie Ver/Voir 2025.

Rencontres avec l'artiste et visites d'atelier à Marseille sur rendez-vous à [info@2mares.org](mailto:info@2mares.org)
Plus d'informations : [www.residencesinternationales.com/lucio-mora](http://www.residencesinternationales.com/lucio-mora)
Calendrier : [www.2mares.org/calendrier](http://www.2mares.org/calendrier)

« Entrer dans le corps du rivage par une langue échappée ». Nouveau parcours des collections modernes et contemporaines. « Entrer dans le corps du rivage par une langue échappée ». Nouveau parcours des collections modernes et contemporaines.
« Et, sans y prendre garde, embrasser le sable, entrer dans le corps du rivage par un creusement net, un son, une parole sans traduction possible, une langue échappée, une langue qui ruisselle à travers les doigts / Je veux entrer dans la terre par l’eau / et dans l’eau par l’empreinte de l’eau »
Samira Negrouche, Traces, 2021

Dérivant de Marseille, de son histoire portuaire et de ses diasporas, de ses territoires vécus ou rêvés, le nouveau parcours invite à reconsidérer les collections du musée. Reliée par les voies de navigation aux rives de la Méditerranée, aux Amériques et à l’Asie, Marseille est au 20e siècle le centre névralgique de multiples échanges intellectuels et artistiques. Au cœur d’une économie coloniale, la cité phocéenne devient au cours du siècle le terrain de résistances et de soulèvements, un lieu où se pensent d’autres relations au monde. Ville d’hospitalité où les frontières s’estompent, propice aux métissages culturels, elle est aussi un port d’exils et d’errances, le rivage d’un cimetière marin de femmes et d’hommes espérant trouver refuge. Marseille, solaire et âpre, ouvre ce récit de la création moderne et contemporaine, plurielle et ouverte au monde. L’attention accordée aux croisements et aux hybridations dans les productions artistiques conduit à décloisonner les formes et les matériaux de l’art, en exposant les liens entre peinture, photographie, cinéma, sculpture et poésie. Grâce à de récentes acquisitions, la collection donne davantage de visibilité aux artistes femmes, élargit sa géographie aux rives du Sud et rend sensible l’expérimentation d’autres matérialités. De nouveaux prêts, généreusement consentis par des institutions publiques et des collections privées, soutiennent cet élan.
La proposition graphique de cet accrochage, conçue par Joseph Benoit, s’appuie sur deux typographies contemporaines dessinées par des femmes. Utilisée pour les titres, Rakkas est une police de caractères arabes et latins dessinée par Zeynep Akay. Le dessin arabe s'inspire des lettrages Ruq’ah des affiches de cinéma égyptiennes des années 1950 et 1960 tandis que le dessin latin en reprend l’esprit sans jamais l'imiter. Adelphe, créée par Eugénie Bidaut est conçue pour intégrer plusieurs formes d'écriture inclusive. Ces typographies portent chacune une réflexion sur la manière dont l'écriture peut accueillir la diversité des identités et des héritages culturels.

Exposition et vente de santons et divers décors.

Œuvres de Marie-Hélène Garrel, fusainiste et photographe. Vernissage jeudi 5 novembre à 18h30.

Le festivale Les Villes Invisibles/NegPos a choisi la lettre U comme Ultraviolet pour le Dictionnaire (presque) complet de la photographie édité par le Réseau LUX. Le festivale Les Villes Invisibles/NegPos_ a choisi la lettre U comme Ultraviolet pour le Dictionnaire (presque) complet de la photographie édité par le Réseau LUX.

U - Ultraviolet •
Rayonnement lumineux invisible à l’œil nu, situé au-delà du violet dans le spectre. En photographie, il révèle ce que la lumière ordinaire ignore. Comme les villes invisibles, il suggère un autre niveau de réalité : formes cachées, traces, présences. Voir, ici, c’est dépasser le visible.

Les Villes Invisibles/NegPos •
Fondé en 2021, Les Villes Invisibles_ est un événement photographique initié par l’association NegPos à Nîmes. Il explore les relations entre image, ville et architecture à travers expositions, projections, recherches et actions pédagogiques. Ouvert à tou·te·s, il mêle photographie, art contemporain et réflexion urbaine dans une programmation ancrée localement et ouverte à l’international.

Le dictionnaire sera distribué gratuitement dans tous les festivals membres du Réseau LUX.

Venez découvrir les créations de l’artisan et artiste Alain Chevalier. Une centaine de fleurs en pierre de lave émaillée prennent place dans les espaces extérieurs de l’abbaye, entrant en résonance avec les chapiteaux du cloître.

L’exposition met en lumière l’importance du végétal dans l’art roman.

Par son cycle perpétuel, la nature témoigne du vivant, de sa force vitale et de sa beauté, dans une création à la fois simple et essentielle.
Au Moyen Âge, l’art roman réinterprète les motifs végétaux hérités de l’Antiquité en les épurant et en les stylisant. Ces formes, immédiatement lisibles, se prêtent naturellement à l’entrelacement : par essence, le végétal renaît.

Créées en 2025 pour l’abbaye de La Sauve-Majeure, les pâquerettes d’Alain Chevalier ont ensuite fait escale à l’abbaye du Thoronet avant de rejoindre aujourd’hui l’abbaye de Montmajour.

Une floraison minérale à découvrir au fil des saisons, entre patrimoine roman et création contemporaine.

Un autre regard : présentation du phénomène optique de la camera obscura au cœur d’un monument d’Arles. Dispositif itinérant dans les monuments historiques :

aux Alyscamps : en octobre – novembre – décembre 2026
à l’Amphithéâtre : en janvier-février 2027
au Théâtre antique : en mars-avril 2027
au Cloitre Saint Trophime : en mai-juin 2027
aux Thermes de Constantin : en juillet-aout septembre 2027

Redécouvrez les sites historiques d’Arles à travers une chambre noire, ancêtre de l’appareil photographique.
La « Camera Obscura » est une boîte noire sur la paroi de laquelle on a fait un trou qui permet d’obtenir sur la paroi opposée une image renversée de la scène extérieure.
Déjà connu dans l'Antiquité à l'époque d'Aristote, environ 300 ans avant JC, ce principe fut décrit au Xème siècle, par le savant arabe Ibn al Haytam. Au XVe siècle, Léonard de Vinci expliqua le phénomène de manière rationnelle. Puis, au cours des XVIe et XVIIe siècle, on a l’idée de remplacer le petit trou par une lentille pour améliorer le rendu de l’image, puis d’installer un miroir pour la redresser, et d’utiliser la camera obscura comme instrument de dessin.
Entrée gratuite dans le monument pour les moins de 18 ans et pour les Arlésiens.
Horaires d’ouverture de chaque monument :

Octobre, mars et avril : 9h-18h_
Novembre, décembre, janvier, février : 10h30 – 16h30_
Mai, juin, juilet, aout, septembre : 9h-19h_

Dernière entrée 30 minutes avant la fermeture.
Programme de l'année du Bicentenaire à Arles à télécharger ici : [https://arles.fr/publications/arles-en-photos-1826-2027/](https://arles.fr/publications/arles-en-photos-1826-2027/)
Plus de 200 photographies anciennes de la ville à découvrir à partir du 18 septembre 2026 sur [https://arles.fr/](https://arles.fr/)
Ce projet est labellisé Bicentenaire de la Photographie par le ministère de la Culture et s'inscrit dans la programmation officielle du Bicentenaire du 1er septembre 2026 au 30 septembre 2027.

Correspondences est une collaboration en constante évolution entre Soundwalk Collective, composé de Stephan Crasneanscki, de Simone Merli et l’iconique autrice, artiste et musicienne Patti Smith. Né de plus d’une décennie d’échanges, Correspondences mêle son, vidéo et poésie afin de faire émerger des paysages où la création artistique, l’imagination scientifique et la lutte politique se mesurent à la fragilité du monde naturel.

L’exposition à Luma Arles prend la forme d’une installation immersive et constitue la première présentation majeure de ce projet en Europe. Elle réunit l’ensemble des œuvres vidéo élaborées jusqu’à présent à l’occasion de cette collaboration. Deux nouvelles commandes portent sur la Camargue, un territoire dessiné par l’eau, les mythes, le changement environnemental et la présence humaine, de l’Antiquité romaine aux traditions provençales autour de Marie-Madeleine. L’exposition met les films en dialogue deux à deux, jouant de la fragmentation et de la recomposition, pour ouvrir un troisième espace dédié à la mémoire, à la résonance et aux associations nouvelles. Le public est invité à composer sa propre trajectoire à travers les images, les sons et les récits qui l’entourent.

Aux côtés des œuvres vidéo sont présentées des compositions sonores, des documents d’archive, des impressions et des installations. Le projet envisage les paysages non seulement comme un terrain physique mais aussi comme une archive mentale : des lieux façonnés par l’imaginaire, la mémoire et l’émotion. Ceux-ci sont explorés à la recherche des traces laissées par des images héritées, des mythes, des blessures historiques et un désir politique.

Les différentes œuvres convoquent des explorateurs courageux et visionnaires qui, dans leur quête de connaissance, ont ouvert de nouveaux territoires, qu’ils soient géographiques ou mentaux. On trouve parmi eux des figures comme Andreï Roublev, le grand peintre médiéval russe connu pour ses fresques et icônes ; Pier Paolo Pasolini, le poète, écrivain et réalisateur italien ; Alfred Wegener, le météorologue, géologue et explorateur polaire allemand ; ainsi que Pierre Kropotkine, l’anarchiste, philosophe politique et géographe russe.

Le son se situe au cœur de Correspondences. Des enregistrements de terrain ont été collectés par Stephan Crasneanscki dans des lieux qui comptent parmi les plus reculés et vulnérables de la planète : glaciers en cours de fonte, déserts, forêts, zones humides et territoires contaminés. Ces enregistrements se déploient pour constituer des environnements sonores qui évoquent la mémoire et sa circulation entre des géographies lointaines, des histoires et des habitats naturels.

Patti Smith répond aux textures acoustiques de ces paysages par l’intimité de la poésie et du chant, faisant entendre une multiplicité de voix qui traverse les corps, les histoires et les états d’esprit. Elle incarne tour à tour les enfants de Tchernobyl, la grande prêtresse et sorcière Médée et les forces de la nature, ou encore se fait l’hôte de présences humaines et plus qu’humaines. Sa voix est à la fois exaltante, prémonitoire et inquiétante. Elle apparaît telle une invocation, une berceuse et une lamentation autour des liens entre la nature, l’histoire humaine et la création artistique. Ces paysages sonores sont tissés à des archives cinématographiques et séquences originales de manière à remettre en question la prépondérance de la vision et à permettre au son de donner une autre forme à l’image, de la troubler et d’en étendre la portée.

Si certains sons et images amplifient le sentiment d’une présence, d’autres évoquent celui de l’absence. Stephan Crasneanscki réunit et recompose des images d’archives spectrales, auxquelles Patti Smith répond par des interventions subtiles faites de lignes et de poésie. Correspondences constitue ainsi l’archive d’un monde en train de disparaître, hanté par les traces, les ruines, l’extinction et le souvenir. À l’intérieur de cette constellation, les…

Stan Douglas (né en 1960 à Vancouver) est un photographe et cinéaste visionnaire qui, depuis plus de quarante ans, transforme les possibilités offertes par les médiums de l’image optique. Son œuvre revisite des événements historiques, des formes musicales et des récits culturels spécifiques afin de s’interroger sur la manière dont l’histoire est produite, représentée et gardée en mémoire. Portant une attention exceptionnelle à l’image, au son, au montage et à la mise en scène, Stan Douglas crée des œuvres dans lesquelles le passé n’est jamais clos mais revient plutôt comme un champ de tensions non résolues qui continuent de façonner le présent.

Pour Bodies Never Lie, Stan Douglas a réalisé Exquisite Corpse, une nouvelle installation vidéo multicanal commandée par Luma Arles, qui se déroule dans l’Espagne franquiste des années 1950. À cette époque, les formes régionales du flamenco étaient marginalisées, tandis que le régime cherchait à normaliser et à commercialiser le flamenco en tant que symbole culturel nationaliste. Comme la plupart des œuvres de Stan Douglas, Exquisite Corpse est construite avec une mise en scène précise et complexe. Tournée au printemps 2026, l’œuvre dépeint trois sessions informelles de flamenco dans trois lieux distincts : les grottes de Beas de Guadix, des maisons d’ouvrier·ères des salines de Cabo de Gata et un moulin à huile loué pour un mariage dans la province de Grenade. Le film, présenté au centre de l’exposition, est structuré comme un cadavre exquis en trois parties, évoquant le jeu surréaliste célébré par André Breton, dans lequel des contributions distinctes produisent des séquences inattendues, des juxtapositions et des formes collectives.

L’exposition comprend également une sélection d’œuvres cinématographiques et vidéo qui contextualisent cette nouvelle commande. Pour la vidéo à deux canaux Hors-champs (1992), présentée pour la première fois à la documenta IX à Kassel, Stan Douglas a filmé des musicien·nes de free jazz dans un style rappelant la télévision française des années 1960. Un côté de l’écran présente un montage télévisuel soigné, tandis que l’autre révèle des images qui resteraient normalement invisibles. Le free jazz, avec son rejet des harmonies conventionnelles, des accords progressifs et des tempos réguliers, était dans les années 1960 étroitement associé aux mouvements de libération politique, en particulier à Paris, où plusieurs figures noires américaines vivaient en exil volontaire. D’autres œuvres de l’exposition prolongent ce contexte français, notamment Vidéo (2007), filmée dans une banlieue parisienne, et Doppelgänger (2019), œuvre rétro-futuriste qui se déroule en Guyane française, présentée sur un écran divisé en deux.

L’exposition présente également trois des séries photographiques majeures de Stan Douglas : 2011 ≠ 1848 (2017-2021), Penn Station’s Half Century (2021) et son œuvre récente The Enemy of All Mankind: Nine Scenes from John Gay’s Polly(2024). Chacune aborde des récits historiques et des bouleversements sociaux et politiques, ainsi que des moments où l’ordre établi se fracture et où de nouvelles réalités incertaines émergent. Dans 2011 ≠ 1848, par exemple, Stan Douglas confronte des manifestations, émeutes et occupations de 2011 aux révolutions bourgeoises qui ont balayé l’Europe en 1848, montrant avec un souci du détail méticuleux et une sophistication technique la manière dont l’histoire se fait écho sans se répéter.

Le titre de l’exposition est tiré d’une citation de la chorégraphe et danseuse américaine Agnes De Mille, nièce du réalisateur hollywoodien Cecil B. DeMille, qui a écrit : « L’expression la plus authentique d’un peuple réside dans ses danses et sa musique. Les corps ne mentent jamais. » Dans l’œuvre de Stan Douglas, corps, sons et images deviennent les témoins de l’histoire, révélant ce que les récits officiels occultent.

Luma Arles présente In Search of… Incredible, une exposition de Julianknxx, poète, artiste et cinéaste, sierra-léonais et installé à Londres, accompagnée d’une commande inédite. Luma Arles présente In Search of… Incredible_, une nouvelle exposition de Julianknxx, poète, artiste et cinéaste, né en Sierra Leone et installé à Londres, accompagnée d’une commande inédite. Travaillant à partir du film, du son et de la performance, Julianknxx a développé une pratique singulière qui fait dialoguer la poésie et l’image animée, créant des pièces où la mémoire est portée, énoncée et continuellement reformulée. Son travail s’intéresse aux résonances de la migration et de la diaspora, tissant des récits intimes à des histoires collectives, et donnant une présence à des voix et à des expériences trop souvent absentes des récits dominants.

Au centre de l’exposition, la nouvelle commande se déploie comme un environnement immersif où convergent image, son et langage. Le sentiment d’appartenance y apparaît comme quelque chose de fragile et d’actif à la fois, façonné par la transmission, l’héritage et les actes de mémoire. L’artiste aborde la narration comme un espace de rencontre, où le témoignage personnel devient le moyen de réfléchir à des questions plus larges d’identité et de continuité.

In Search of… Incredible_ révèle la capacité de Julianknxx à créer des œuvres d’une profonde intensité, émotionnelle autant que formelle. Sa pratique pluralise la façon dont les histoires peuvent être racontées et vécues, et s’affirme comme l’une des voix les plus saisissantes de sa génération. L’exposition témoigne de l’engagement durable de Luma Arles à soutenir les artistes qui interrogent et renouvellent notre compréhension de l’image, de l’histoire et des politiques de la voix.

Luma Arles présente une exposition consacrée aux Overpainted Photographs de Gerhard Richter, l’un des ensembles les plus importants et les plus radicaux de six décennies de pratique. \> Luma Arles présente une exposition consacrée aux Overpainted Photographs de Gerhard Richter, l’un des ensembles les plus importants et les plus radicaux de six décennies de pratique. En intervenant directement sur des instantanés photographiques à coup de peinture à l’huile, Richter démantèle la prétendue autorité de la photographie comme enregistrement fiable du réel. L’image n’est ni tout à fait révélée ni entièrement occultée : elle devient une surface disputée où représentation et abstraction s’affrontent.

\> Dans ces œuvres denses, Richter soumet l’image photographique au geste, au hasard et à la matière. Les marques peintes interrompent sa fonction descriptive, la faisant basculer d’un support de preuve à un espace d’ambiguïté. Ce qui apparaît n’est plus un document, mais un événement – la révélation de la façon dont mémoire, perception et sens se construisent et se défont sans cesse.

\> Overpainted Photographs traverse les questions centrales de la pratique de Richter : les limites de la représentation, l’instabilité de la vérité, les conditions dans lesquelles les images façonnent la croyance. L’exposition offre une occasion rare de découvrir ces œuvres discrètes mais radicales, et d’éprouver leur pertinence durable et leur profonde influence sur le discours artistique contemporain. À une époque définie par la prolifération et la manipulation des images, les Overpainted Photographs s’imposent comme des œuvres fondamentales, qui font de l’image un lieu d’incertitude, de résistance et de transformation.

Le sixième chapitre des Archives Hans Ulrich Obrist honore le dixième anniversaire de la disparition de Dame Zaha Hadid. Le sixième chapitre des Archives Hans Ulrich Obrist honore le dixième anniversaire de la disparition de Dame Zaha Hadid (née le 31/10/1950 à Bagdad, Irak – décédée le 31/03/2016 à Miami, Floride, États-Unis). Cette exposition revient sur le long dialogue entre le commissaire et l’architecte légendaire, qui débute à la fin des années 1990 lorsqu’Obrist invite Hadid à réaliser Meshworks_ à la Villa Médicis en 2000. Hadid siège au conseil d’administration de la Serpentine dès 1996 et y conçoit le Pavillon inaugural en 2000, à l’invitation de Julia Peyton-Jones. Suite à la nomination d’Obrist à la Serpentine en 2006, elle participe à plusieurs de ses Marathons et signe ultérieurement la Serpentine North Gallery en 2013.

Pour la première fois depuis 2016, l’exposition réunit ses premières peintures calligraphiques et ses carnets — exercices de géométrie suprématiste qui nourrissent ses projets bâtis, de la Caserne de pompiers Vitra (1993) à la Tour Cma cgm (2011) à Marseille ou Pierresvives (2012) à Montpellier — accompagnés d’entretiens vidéo inédits de 2001 à 2013. Présentée dans La Tour conçue par le regretté Frank Gehry, ami proche de Hadid, l’exposition déploie trois chapitres de sa carrière d’architecte : du constructivisme à ses projets et réception précoces dans le contexte français, ainsi que sa relation au long cours avec Obrist.

En étroite collaboration avec la Zaha Hadid Foundation.

Gaza - Pas de mots - Découvrez l'exposition Face à une dévastation indescriptible, l’art devient un moyen d’expression puissant lorsque les mots ne suffisent plus.

Alors que les bombes s’abattaient sur Gaza, une Palestinienne, quelque part, enfilait un fil rouge dans un tissu blanc. Pour chaque vie perdue, chaque hôpital bombardé et chaque maison rasée à Gaza, une main palestinienne en dressait minutieusement le témoignage.
De Ramallah aux camps de réfugiés du Liban, et jusqu’en Nouvelle-Zélande, des femmes palestiniennes ont brodé 100 panneaux pour créer « la Tapisserie du génocide de Gaza », un témoignage collectif au point de croix qui refuse de laisser le monde oublier ce qui est fait et à qui.
La Tapisserie du génocide de Gaza est une suite audacieuse, bien que dévastatrice, de la Tapisserie de l’histoire de la Palestine (PHT), une collection primée de plus de 100 panneaux qui racontent l’histoire de la Palestine et des Palestiniens à travers la broderie traditionnelle palestinienne.
Ce nouveau chapitre, sous l’égide du Musée de la Palestine et du nouveau lieu d’accueil de la PHT, retrace les événements de plus de deux ans de génocide à Gaza entre 2023 et 2025.
Au cœur de la tapisserie se trouve le « tatreez », une tradition palestinienne de broderie vieille de plusieurs siècles, que l’UNESCO a inscrite sur sa liste du patrimoine culturel immatériel en 2021. L’art du tatreez, autrefois utilisé pour orner les robes de mariée, célébrer la vie et exprimer la tendresse et la couleur, rend désormais compte des fosses communes, des ruines et de la famine.

L’exposition propose plus de 300 photographies de 1850 à nos jours. Toutes les techniques de la photographie sont représentées. De nombreux prêts complètent les fonds des deux musées stéphanois, ceux… L’exposition propose plus de 500 photographies de 1850 à nos jours. Toutes les techniques de la photographie sont représentées. De nombreux prêts complètent les fonds des deux musées stéphanois, notamment ceux de la médiathèque du patrimoine et de la photographie, de la bibliothèque Forney et de galeristes pour les artistes contemporains.
Comment les photographes observent une ville qui travaille ? Que donnent-ils à voir ? La question est complexe et l’exposition souhaite relater cette complexité car limiter la ville qui travaille à la photographie industrielle, à l’ouvrier devant sa machine ou à l’insertion de l’usine dans le tissu urbain apparaît comme trop réducteur. Une ville qui travaille, c’est aussi une ville habitée, une ville vécue où la nature des jardins ouvriers côtoie les transports en commun et le théâtre populaire.
Cette vision fragmentée, et fragmentaire, s’organise dans un long rétrécissement depuis la photographie aérienne du territoire jusqu’au geste de la main sur l’outil. Du plus loin au plus près, de l’extérieur à l’intime.
Un fois le territoire posé, celui de Saint-Étienne et sa région, le visiteur suit les photographes aux marges de la ville, depuis les vues du chemin de fer de Collard du milieu du 19e siècle, jusqu’aux clichés contemporains de Roselyne Titaud des barrages dont l’eau faisait fonctionner autrefois les moulins des proto industries. L’extraction du charbon tient une place importante dans cette image de l’industrie qui entoure la ville, comme le montrent les paysages miniers sous la neige de Félix Thiollier ou les commandes des Houillères des années 1960. Plus tard, Bernd et Hilla Becher photographient aussi les puits qui sont au centre des clichés de la désindustrialisation du bassin avant que s’engage un processus de patrimonialisation dont les photographes sont parties prenantes (Famas de Jean-Baptiste Sauvage).
Dans la ville, les photographes représentent les espaces du collectif, du vivre ensemble, comme les fontaines de Willy Ronis en 1948, les temps suspendus quand le théâtre de Dasté interrogeait les ouvriers dans la rue à la tombée du soir (Ito Josué) ou les jardins ouvriers. Ce sont aussi les photographes de l’intime, qui s’invitent dans les taudis en 1950 ou dans les immeubles des années 1980 construits sur les emplacements des usines d’autrefois avec Jean-Louis Schoellkopf. L’habitat des grands ensembles est particulièrement bien représenté avec, entre autres, les œuvres d’Aurélie Petrel.
Puis le visiteur entre dans l’usine, d’abord dans la cour puis au plus près des machines, sur représentées, l’homme est alors perçu comme un élément du système productif, une partie de la machine. Les photographies de « l’usine modèle » qu’était Manufrance sont emblématiques en regard de la production sidérurgique, encore archaïque, d’une entreprise comme Holtzer. C’est ici que sont interrogés la commande photographique des entreprises et l’importance du geste, jusqu’à la formation des jeunes aujourd’hui dans les œuvres de Ian Simms.
Chaque partie est augmentée de focus d’artistes. Marine Leleu, photographe en résidence côtoie Maurice Müller pour aborder la question de la photographie des bordures urbaines. Aurélie Petrel met en abîme la photographie des grands ensembles. Les photographies du territoire prises par François Kollar au début des années 1930 complètent ses images de Saint-Étienne au travail.
Un ouvrage publié par la Ville de Saint-Étienne et Silvana (Milan) développe les thèmes abordés dans l’exposition.
Un espace de médiation permet de choisir un cadrage, de mémoriser des détails ou de comprendre le mécanisme du stéréoscope.

Fruit d’un partenariat avec le Musée d’Histoire de Katowice, cette exposition met en lumière les œuvres d’Anna Chojnacka (1914-2007), photographe polonaise dont les œuvres figurent dans de grandes le… Fruit d’un partenariat avec le Musée d’Histoire de Katowice, cette exposition met en lumière les œuvres d’Anna Chojnacka (1914-2007), photographe polonaise dont les œuvres figurent dans de grandes institutions comme le MET à New York. C’est sa première rétrospective en France, elle qui a voyagé dans le monde entier. La sélection présentée est une infime partie des 2 500 photographies et 18 000 négatifs conservés par le Musée d’Histoire de Katowice, institution à laquelle Anna Chojnacka a confié son héritage artistique via des achats et des dons entre 1989 et 2007.
Les photographies d’Anna Chojnacka dépassent l’intention littérale de la commande industrielle et laissent entrevoir une conscience politique et environnementale servie par une science du cadrage et des reflets hérités de l’esthétique des grands photographes des années 1930, d’Alexandre Rodtchenko à Germaine Krull.
La quarantaine de photographies exposées mettent en lumière une ville en mutation. Le Katowice du 19e siècle disparaît en partie dans les années 1950 pour laisser place aux immeubles de l’époque soviétique, symboles de modernité comme en témoigne la photographe. C’est ainsi que se succèdent paysages urbains laissant entrevoir une cheminée d’usine ou l’ambiance nocturne de la ville.
Entre œuvres subjectives et commandes, Anna Chojnacka donne à voir aussi bien la puissance industrielle d’une région que le constat brutal des sols heurtés, blessés, laissés pour compte par l’industrialisation.

En forêt, de la gestion à l'évasion En forêt, de la gestion à l'évasion

Le prieuré de Salagon, labellisé ethnopôle depuis 1996 vous propose de découvrir l’exposition En forêt, de la gestion à l'évasion_ avec les photographies de Vincent Munier en collaboration avec le musée des Confluences. Exposition visible du 3 juillet 2025 au 14 décembre 2026.

Cette exposition propose donc d’explorer l’évolution de notre relation à la forêt à l’époque contemporaine. Grâce à des objets du musée de Salagon, des photographies, des films, des documents d'archives, des tableaux prêtés par des musées partenaires, l’exposition propose un récit sur l’évolution de la forêt à l’époque contemporaine. Elle prend pour contour la Provence et les Alpes du sud tout en élargissant le regard dans une approche anthropologique.
Sous la forme d’un parcours thématique, l’exposition interroge d’abord l’évolution de l’exploitation et de la gestion forestière dans les Alpes du sud. Le scenario prend pour point de départ le milieu du XIXe siècle, époque charnière. L’exposition immerge dans les métiers d’autrefois (charbonniers, bucherons etc.) qui ont évolué ou ont fini par disparaître. En même temps, l'industrialisation favorise une industrie du bois considérable qui finit par s’estomper au milieu du XXe siècle. Entre travail artisanal et industrie, l’exposition dévoile ainsi les différentes échelles du travail du bois et leurs évolutions.
Mais dans le même temps, l’exposition montre aussi que notre relation à la forêt est fortement marquée par une sensibilité plus urbaine et romantique qui prend racine là-aussi, au milieu du XIXe siècle. Artistes, écrivains, peintres se passionnent alors pour les forêts et diffusent ce nouvel imaginaire qui associe la forêt à la nature sauvage. Certaines forêts comme Fontainebleau deviennent un patrimoine, l’expression d’une esthétique et accompagnent aussi les premiers temps du tourisme. Une nouvelle sensibilité émerge, comme en témoigne les premières mobilisations pour lutter contre les coupes d’arbres. En Provence, les clubs de randonnées s’épanouissent, comme la Société des excursionnistes marseillais dont les membres s’adonnent à la randonnée dans le massif de la Sainte-Baume, l’Isère ou la montagne de Lure. Les fonctions récréatives, médicales, esthétiques des forêts naissent alors, en cette fin du XIXe siècle et n’ont cessé de se développer à mesure que la société s’est urbanisée.

Mais l’exposition révèle aussi une réalité forte de la France contemporaine : le prodigieux essor du couvert forestier qui s’est accru depuis la fin du XIXe siècle. Nous vivons l’ère des forêts. Cette évolution est le fruit des grands plans de reboisement entrepris depuis la fin du XIXe siècle combinés à des évolutions structurelles : l’exode rural, la désertification des campagnes, le déclin du pastoralisme et le recul de l’agriculture. Les paysages en Provence ont considérablement évolué : les grands « déserts » des plaines, plateaux et basses montages sont aujourd’hui recouverts d’arbres. Souvent peu gérées, morcelées et peu exploitées, les forêts sont aujourd’hui majoritairement privées et surtout fragiles et vulnérables. L’exposition interroge ainsi, dans le contexte de la crise environnementale, comment les forêts peuvent aujourd’hui être mieux gérées et en quoi elles sont un potentiel pour le développement de filières durables d’avenir.

Découlant de cette évolution, l‘exposition interroge les nouveaux usages de la forêt à une époque où elle apparaît comme une ressource, un âge d’or, un refuge. En témoigne l’engouement pour les bains de forêts, la sylvothérapie, l’essor de loisirs (accrobranche) qui montrent quant à eux un rapport plus ludique à la forêt. Mais la forêt contemporaine, en proie au défi climatique, cristallise aussi des oppositions et des mobilisations, souvent contre des projets d'aménagement, de plus en plus mal acceptée par une partie de la population. Les forêts deviennent alors le théâtre des clivages et tensions de…

Expo photos annuelle du club Saint Gély Image, intitulée "Entrez dans la couleur !". Elle aura lieu du 6 au 15 novembre 2026, à la Salle de La Frégère, 457 Grand Rue à St Gély du Fesc. Annonce de l'expo photos annuelle du club Saint Gély Image,
intitulée "Entrez dans la couleur !".
Elle aura lieu du 6 au 15 novembre 2026, à la Salle de La Frégère, 457 Grand Rue à St Gély du Fesc.
Horaires : Semaine de 17h à 19h ; week-end de 10h à 12h30 et de 15h à 19h
Elle regroupera 56 photos de 24 photographes du Club.
Thème, format et support libres.
Vernissage le vendredi 6 nov à 18h.

Horaires d'ouverture : Mercredi de 15h30 à 17h30 Jeudi de 14h à 18h Samedi de 10h à 12h Dimanche de 10h à 12h

Les pierres sont simples, lourdes et immobiles. Les pierres sont tout ce qu’il y a de plus réel et matériel. Mais à écouter leur silence, on les entend. À bien les regarder, elles deviennent transparentes et leur inertie palpite. Elles parlent des forces qui les ont consumées, des distances qu’elles auraient parcourues, des génies qui les habitent, ou des cheveux qui leur poussent sur le caillou. Mirages & miracles est une série d’installations qui incarnent la tentative de fabrication d’un animisme numérique par des dispositifs de réalité augmentée et d’illusion holographique. La série Le silence des pierres est un hommage à la vie qui se niche au creux des choses apparemment inertes, immobiles et inorganiques. La figure de la pierre, réelle ou dessinée, en est l’emblème. 19 L’image en réalité augmentée, immatérielle, mobile, agile, vient incarner un imaginaire et ouvrir ces objets à réaction poétique. Les tablettes jouent le rôle de fenêtres vers cette réalité cachée. Les œuvres donnent ainsi à vivre un ensemble de scénarios inouïs qui jouent à la frontière entre l’animé et l’inanimé, l’authentique illusion et le faux miracle. Autant de petits spectacles pour un spectateur qui, par le trouble de la poésie, la force de l’informatique et la fiction magique, cherchent à interroger les contours de ce qui compose le vivant. Conception et direction artistique Claire Bardainne et Adrien Mondot

exposition Après le succès de l’exposition « Fashion Folklore » présentée en 2023, le Mucem consacre une exposition à Mossi Traoré, créateur atypique de la scène française pour qui la couture est à la fois terrain d’expérimentation, outil de transmission et langage collectif.

Formé autant dans la rue qu’auprès des maîtres de la couture, Mossi Traoré développe une esthétique épurée et engagée. Sa démarche, incarnée notamment par son école les Ateliers Alix, nommée en hommage à la créatrice de haute-couture Madame Grès, prône une mode accessible et exigeante, ouverte à tous.

Pensée en étroite collaboration avec le styliste, « Mossi Traoré, la mode aussi » propose une immersion dans un univers où la mode dialogue autant avec les cultures populaires qu’avec les arts urbains et les savoir-faire traditionnels. Silhouettes sculpturales, vidéos, textiles en interaction avec les collections du musée et gestes artisanaux jalonnent un parcours en partie immersif, invitant le visiteur à se projeter dans la reconstitution de l’atelier de Mossi Traoré et dans les réserves du Mucem, en l’incitant à toucher les matières, écouter et ressentir.

Site web :
[https://mucem.org/expositions/mossi/](https://mucem.org/expositions/mossi/)

Un historien d’exception, un résistant engagé : redécouvrez Marc Bloch à travers l’exposition conçue par l’Association des Professeurs d’Histoire et de Géographie.

Venez découvrir l’exposition « Marc Bloch : vies, combats, héritages » dans la salle du trésor de Montmajour. À l’occasion de la panthéonisation de Marc Bloch, l’abbaye de Montmajour invite le public à redécouvrir cette grande figure de l’histoire, historien et résistant durant la Seconde Guerre mondiale, à travers une exposition présentée dans la salle du Trésor.
Historien majeur du XXe siècle, Marc Bloch a profondément renouvelé la manière de penser l’histoire. Ses travaux et les thématiques qu’il a explorées résonnent avec les missions de transmission et de valorisation du patrimoine portées par le Centre des monuments nationaux.
L’entrée de Marc Bloch au Panthéon, le 23 juin 2026, honore à la fois le savant et le résistant : un intellectuel engagé, convaincu que comprendre le passé est une exigence pour éclairer le présent et défendre les valeurs républicaines.
Pour le Centre des monuments nationaux, il est essentiel de célébrer, au sein de son réseau, l’un des fondateurs de l’histoire contemporaine, dont les travaux ont porté sur des sujets étroitement liés aux 110 monuments du réseau : le Moyen Âge, les rois thaumaturges, les paysages, entre autres.
À Paris, le Panthéon accueille, du 24 juin au 31 décembre, l’exposition « Marc Bloch, l’esprit de l’histoire ».
Cette exposition itinérante a été conçue en partenariat avec l’Association des professeurs d’histoire et de géographie.

L’Antiquité — réservoir inépuisable de récits, d’images et de symboles —, continue de nourrir notre imagination et de façonner la création contemporaine. Comment cet héritage a-t-il traversé les siècles pour devenir…