Expositions à Oyonnax et alentour

Dilo Dibout ? C'est la canne à sucre dans l'imaginaire collectif mauricien. Deux photographes Antonin Lainé (France) et Frédérick Bréville (Maurice) ainsi qu'une géographe Elsa-Xuân Lainé, les… Dilo Dibout ?\ C’est la canne à sucre dans l’imaginaire collectif mauricien. Deux photographes, Antonin Lainé (France) et Frédérick Bréville (Maurice) ainsi qu’une géographe, Elsa-Xuân Lainé, documentent les transformations en cours dans les territoires encore peu connus de l’île, à l’écart des littoraux. Mémoire vivante, photographies et récits mettent en lumière des paysages qui changent, l’empreinte d’un patrimoine industriel qui s’estompe et dévoilent la beauté fragile d’un monde qui se transforme.

L’exposition se décline en une soixantaine de photos en couleurs et en N&B de formats allant de 30x40 cm, à 50x60 cm avec une option en kakemonos suspendus en textiles.
Plusieurs thèmes sont imbriqués :
Photographies en couleur par Antonin Lainé : les territoires de la canne à sucre, le patrimoine industriel, les friches, les usines en activité, les nouveaux paysages.
Photographies en Noir & Blanc par Frédérick Bréville : portraits de celles et ceux ayant travaillé sur les territoires de la canne ; leurs paroles sont recueillies par Elsa-Xuân Lainé, ainsi que des reportages sur deux demeures historiques de domaines sucriers (maison Euréka de la famille Le Clézio et Demeure Saint Antoine).

Ce projet de photographie documentaire de création est structuré par des textes et des légendes contextualisées, en bilingue Français/Anglais par Elsa-Xuân Lainé.

L’exposition est programmée à l’Institut français de Maurice (IFM) à Rose Hill tout le mois de novembre 2026, l’accès est ouvert à tous et gratuit. De plus, un livre au titre éponyme, édité par l’association « De loin et/ou de près » sera lancé à cette occasion.

Dilo Dibout ? Ile Maurice propose de documenter les transformations du territoire mauricien contemporain, à travers les résonances entre friches industrielles, usines encore en activité, paysages redessinés par le développement économique, patrimoine industriel et témoignages des travailleurs de la canne. Il interroge la manière dont la monoculture de la canne à sucre a façonné les territoires, les paysages et les mémoires collectives. La photographie y est envisagée comme un outil documentaire et artistique, capable de révéler les traces visibles et invisibles des mutations, tout en construisant une écriture visuelle sensible, singulière et actuelle.
Dilo Dibout ? Ile Maurice s’inscrit dans la tradition documentaire et historique de la photographie industrielle, tout en élargissant cette approche. Il met en lumière la coexistence entre le territoire, le patrimoine et les dynamiques en représentation.

\Dilo Dibout ? : fait partie des « sirandanes » que l’on pourrait traduire par jeu de mots, énigme, se présentant sous la forme d’une question dont la réponse tient en un mot. A la question « de l’eau debout ? », la réponse est kann (la canne à sucre).

Cette exposition de l’Unige est une invitation à suivre la vie d’un grain de sable. Derrière cette ressource apparemment ordinaire se cachent des réalités souvent méconnues. Cette exposition est une invitation à suivre la vie d’un grain de sable. Façonné pendant des milliers d’années, il circule sur les fleuves, les mers et les routes du monde entier. De matière, il devient ressource, utilisé massivement dans le béton, matériau omniprésent dans nos bâtiments, routes et infrastructures. Mais derrière cette ressource apparemment ordinaire se cachent des réalités souvent méconnues: extraction intensive, paysages dégradés, écosystèmes fragilisés et profondes inégalités sociales et environnementales.
Depuis les carrières jusqu’aux villes marquées par la spéculation immobilière en passant par les chaînes logistiques globales, suivre un grain de sable, c’est interroger nos manières de construire, d’habiter et de transformer les territoires. C’est considérer d’autres matériaux plus durables (comme le bois, la terre, la pierre), d'autres pratiques constructives (comme le réemploi) et de nombreuses initiatives plus respectueuses de nos milieux et du vivant.

Plongez au cœur de l’art contemporain : Artraction présente des œuvres de Patrick Piccinelli, entre émotion et modernité. Une expérience rare, à la croisée de l’art, du patrimoine et de l’excellence. Exposition Patrick Piccinelli – Ports Francs et Entrepôts de Genève, 3–27 novembre 2026
Artraction est ravie de présenter une exposition exclusive dédiée à l’artiste suisse Patrick Piccinelli, du 3 au 27 novembre 2026, dans un lieu d’exception : les Ports francs et Entrepôts de Genève.
Reconnu pour son approche du minimalisme géométrique, Piccinelli s’inscrit dans la lignée du design graphique suisse, alliant rigueur, épure et raffinement. Ses œuvres, réalisées à l’acrylique, aux pigments et au vernis, jouent avec la lumière, la matière et la couleur pour créer des compositions à la fois contemplatives et vibrantes.
Cette exposition propose une immersion dans son univers singulier, où chaque toile devient un espace de respiration, de silence et d’équilibre. Les collectionneurs et amateurs d’art auront l’occasion de découvrir des pièces récentes.
Le choix des Ports Francs et Entrepôts de Genève comme écrin à cette manifestation n’est pas anodin : ce lieu emblématique, habituellement discret, ouvre exceptionnellement ses portes à la création contemporaine. Cette collaboration, initiée et consolidée par Artraction, s’inscrit dans une volonté de rapprocher l’art, le patrimoine et l’excellence genevoise.
Artraction, acteur engagé de la promotion de l’art contemporain en Suisse, poursuit ainsi sa mission de rendre l’art accessible, tout en valorisant les artistes et les lieux qui font la richesse culturelle de la région. Une invitation à vivre l’art autrement, dans un cadre rare et inspirant.

Exposition ouverte au public : du 3 au 27 novembre 2026
Lieu : Ports Francs et Entrepôts de Genève

Exposition audiovisuelle à Uni Mail présentant des vidéos de l'association Border Forensics qui mène des enquêtes avec et en soutien aux communautés exposées à la violence frontalière. À travers des extraits de trois films, l’exposition présente trois enquêtes menées par Border Forensics:

La mort de Blessing Matthew_ (2022) revient sur le décès de cette jeune femme nigériane, morte en 2018 alors qu’elle tentait de franchir la frontière franco-italienne dans les Alpes.
The Death of Roger Nzoy Wilhelm_ (2025) examine les circonstances de la mort de Nzoy, tué par la police vaudoise à la gare de Morges en 2021.
Enfin, Asymmetric Visions_ (2023) explore les dispositifs de surveillance aérienne et le contrôle des migrations en Méditerranée centrale.

En mobilisant des méthodes issues de la géographie, de l’analyse spatiale et géostatistique, de l’analyse de données et de la modélisation 3D, les contre-enquêtes de Border Forensics permettent de reconstituer des événements contestés et de documenter des violences souvent difficiles à établir. Border Forensics explore ainsi le potentiel des images et des données pour documenter les violences aux frontières, questionner les récits établis et contribuer aux luttes pour les droits humains et la justice migratoire.
Vernissage le 22 septembre à 18h30 avec les interventions de Jean-Paul Bronckart (Fonds Spitzer), Claire-Akiko Brisset (Comité scientifique du Mural), Charles Heller (Border Forensics), suivies d'une performance surprise et clos par une verrée.

Cette exposition audiovisuelle se tient sur le Mural Alexei Jaccard-Droits humains à Uni Mail. Ce dispositif propose un lieu de mémoire, d’information et de réflexion interdisciplinaire sur les droits humains et la disparition forcée dans le monde à partir du destin tragique d’Alexei Jaccard, étudiant suisso-chilien victime de disparition forcée en 1977.

Le projet Acedia de la photographe française Louise Desnos est une exploration visuelle de la paresse, de la fatigue et de l’intime. Le mot anglais acedia (acédie en français) désigne un état de profond ennui et d’apathie. Avec ce projet, l’artiste fait l’éloge de la paresse, si souvent décriée dans nos sociétés contemporaines toujours plus orientées sur la productivité et sur une optimisation constante de soi. Prenant le contrepied de ces incitations à la performance et à l’efficacité, Louise Desnos propose de repenser la paresse comme acte créatif, et comme posture de résistance face à l’aliénation au travail, à la compétition sans relâche et au consumérisme du système capitaliste.

Ses photographies sensibles et contemplatives, empreintes d’inspirations littéraires, cinématographiques et picturales, mettent en lumière des non-événements. La paresse, habitée par les modèles, se propose de traduire un refus de la vie telle qu’elle est donnée à vivre, au privilège d’une recherche de liberté, et d’un espace d’introspection, parfois teintée de mélancolie. La réalisation même de ce projet a été pour la photographe un moyen de se réapproprier du temps et de l’investir sans contrainte, à la différence de ses mandats rémunérés de photographe.

Une collaboration avec la Fondation Convergences.

Artraction présente une exposition exclusive dédiée à l’artiste Patrick Piccinelli, du 3 au 27 novembre 2026, dans un lieu d’exception : les Ports Francs et Entrepôts de Genève. Reconnu pour son approche du minimalisme géométrique, Piccinelli s’inscrit dans la lignée du design graphique suisse, alliant rigueur, épure et raffinement. Ses œuvres, réalisées à l’acrylique, aux pigments et au vernis, jouent avec la lumière, la matière et la couleur pour créer des compositions à la fois contemplatives et vibrantes.

Cette exposition propose une immersion dans son univers singulier, où chaque toile devient un espace de respiration, de silence et d’équilibre.

Le choix des Ports Francs et Entrepôts de Genève comme écrin à cette manifestation n’est pas anodin : ce lieu emblématique, habituellement discret, ouvre exceptionnellement ses portes à la création contemporaine. Cette collaboration, initiée et consolidée par Artraction, s’inscrit dans une volonté de rapprocher l’art, le patrimoine et l’excellence genevoise.

Artraction, acteur engagé de la promotion de l’art contemporain en Suisse, poursuit ainsi sa mission de rendre l’art accessible, tout en valorisant les artistes et les lieux qui font la richesse culturelle de la région.

Une invitation à vivre l’art autrement, dans un cadre rare et inspirant.

Exposition ouverte au public : du 3 au 27 novembre 2026

Lieu : Ports Francs et Entrepôts de Genève
Entrée libre de 8:00 à 11:45 et de 13:00 à 16:00, du lundi au vendredi.

Une géographie fantôme de Hugo Hu Résidence Atlas des absences
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Une géographie fantôme de Hugo Hu

Lauréat de l’appel à candidature pour la résidence de recherche en architecture Furieuse en vie, Hugo Haoran Hu est accueilli pendant 8 semaines à Salins-les-Bains, point d’ancrage et de départ pour une immersion de Pont d’Héry à la Chapelle-sur-Furieuse, un temps au cours duquel il construira avec les habitants une mythologie contemporaine de la Furieuse, où le dessin fait apparaître les fantômes du territoire — ce qui n’est plus et ce qui n’est pas encore — afin de rendre visibles ses histoires, ses imaginaires et ses patrimoines fragiles.
Né en 1995 à Kunming en Chine, Hugo Haoran Hu est architecte diplômé et fondateur de Sihu Lab, formé entre l’École nationale supérieure des Arts décoratifs, à l’Université technique d’Eindhoven. Sa pratique, à la croisé de l’architecture, du dessin et de la recherche, explore les relations entre lieux, récits, mémoires et imaginaires. Le dessin l’accompagne depuis toujours comme un outil d’observation et de narration, allant du carnet et de l’illustration au collage et à la bande dessinée.
Aux questions « Qu’est qu’un patrimoine fragile ? Comment révéler la qualité du cadre bâti, celle du cadre de vie ? », Hugo Hu répond qu’un patrimoine n’est pas seulement fragile lorsque sa matière disparaît, mais aussi lorsque les histoires, les usages et les imaginaires qui l’habitent cessent d’être transmis. Construire une mythologie contemporaine, c’est alors faire réapparaître ces fantômes et créer un système narratif ouvert — un support commun sur lequel les histoires du territoire peuvent continuer à se développer, se transformer et en faire naître de nouvelles. Faire vivre le patrimoine, ce n’est donc pas seulement conserver ce qui existe, mais lui permettre de continuer à produire du récit et des possibles.
Comment représenter ce qui n’est plus visible ?
Comment donner une forme à ce qui n’existe pas encore ?
Et comment ces absences participent- elles pourtant à notre manière d’habiter un lieu aujourd’hui ?
Ces interrogations rejoignent la notion d’hantologie : l’idée que le présent n’est jamais entièrement contemporain de lui-même, mais demeure habité par des passés qui ne disparaissent pas tout à fait et par des futurs qui se font déjà sentir avant d’advenir. Hugo Hu entend déplacer cette réflexion du champ théorique vers une expérience concrète du territoire : marcher, regarder, dessiner et écouter.
Là où la photographie saisit principalement ce qui est présent devant nous, le dessin permet de faire apparaître l’absence. Il peut superposer à une rue actuelle la trace d’un bâtiment disparu, retrouver dans un atelier les gestes d’un métier oublié, ou accueillir dans un espace vacant une présence qui n’existe pas encore.
La résidence donnera ainsi progressivement naissance à un Atlas des absences, une cartographie sensible et collective de la vallée organisée autour de deux figures temporelles :
No Longer — ce qui n’est plus là, mais continue de hanter le lieu.
Not yet — ce qui n’est pas encore là, mais dont la possibilité, le désir ou la crainte agit déjà sur le présent.
Il ne s’agira ni d’établir un inventaire patrimonial exhaustif, ni de proposer un projet d’aménagement. L’Atlas cherchera plutôt à révéler une autre épaisseur du territoire : celle des lieux ordinaires, des transformations silencieuses, des récits fragmentaires et des futurs imaginés.
Entre France, Italie, Pays-Bas et Chine, le parcours professionnel de Hugo Hu l’a notamment conduit à travailler pendant deux ans au studio Fuksas à Rome et lui a permis de développer un regard transversal sur différentes manières de concevoir, transformer et habiter les territoires. En parallèle, il développe une recherche personnelle sur les conditions contemporaines de l’architecture et sur les relations entre espace, temps et mémoire. Ses projets ont été distingués, notamment par le Prix Enah 2025, exposé à la…

Propriétaires et copropriétaires, profitez de conseils gratuits pour avancer dans vos projets de rénovation et mieux anticiper les évolutions énergétiques et réglementaires. Vous êtes propriétaire d’une villa ou copropriétaire d’une petite PPE de moins de cinq logements ? Profitez d’une heure de conseil personnalisé offerte par la Ville de Vernier pour faire le point sur votre bâtiment et vos projets.

2, 6, 9, 10, 12 et 13 novembre
entre 9h et 19h
Avenue Edmond-Vaucher 3, 1219 Châtelaine
Participation gratuite
Inscriptions obligatoire : [bati-durable.ch/guichet-energie](https://bati-durable.ch/guichet-energie)

Un accompagnement personnalisé
Ce rendez-vous permet d’obtenir des informations adaptées à votre situation et à vos besoins. Les échanges peuvent notamment porter sur:

la consommation énergétique

le remplacement du chauffage

la rénovation du bâtiment

l’installation de panneaux solaires

les aides financières disponibles

une première estimation de l’indice de dépense de chaleur (IDC)

Il n’est pas nécessaire d’avoir déjà un projet défini pour bénéficier de cet accompagnement.

Proposée par la Plateforme interreligieuse de Genève à la Maison de l’Avenir, l’exposition « Fleuve de vie, vie des fleuves » sera complétée par des visites guidées et une table ronde. Exposition "Fleuve de vie, vie des fleuves" à la Maison de l’Avenir, Impact Hub, Genève – Du 2 novembre au 4 décembre, lundi au vendredi de 9h à 18h
Un voyage à travers dix grands fleuves du monde abordés à travers différentes thématiques telles que la géographie, les traditions et les croyances, la biodiversité ou encore les ressources naturelles. En dévoilant la richesse et la diversité de ces écosystèmes, l’exposition invite à porter un regard sur la complexité et la beauté du vivant.

Visites guidées de l’exposition – 12 et 25 novembre à 18h30
Les visites guidées d’une durée d’une heure seront proposées par Pierre Rouyer, commissaire de l’exposition, et la visite du 12 novembre sera suivie d’un apéritif.

Table ronde – 24 novembre à 19h
Les fleuves et le sacré : des pratiques spirituelles au soin du vivant
Au fil du temps, les communautés ont tissé des liens profonds avec les fleuves, à travers leurs traditions et leurs pratiques spirituelles. Dans quelle mesure ces relations peuvent-elles favoriser une posture de soin et de réciprocité envers leurs milieux de vie ? Alors que notre époque tend à réduire le vivant à une simple ressource exploitable, ce lien au sacré peut-il inspirer d’autres voies à explorer ?
Avec les intervention d'Aurélie Netz, anthropologue, et de Gilles Mulhauser, ex-directeur de l’Office cantonal de l’eau de Genève.

[https://interreligieux.ch/wp/evenement/fleuve-de-vie-expo-table-ronde-sdr-2026/](https://interreligieux.ch/wp/evenement/fleuve-de-vie-expo-table-ronde-sdr-2026/)

Une exposition locale, créative et durable, en collaboration avec la Renfile et Onl’fait. Re:Make incarne l’idée qu’un futur désirable peut émerger de l’existant, par la créativité, la collaboration et le détournement des usages.
Les designers sont invités à imaginer des objets pour les espaces de travail, capables de susciter de nouvelles interactions et de faire évoluer les manières de travailler, tout en privilégiant une conception économe en ressources.

Vernissage le 29.10, 17h : (https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSfJGAwHJuueTmMVU6LoxYDSU1tuAoDtjxnXEf0P86Suceypmg/viewform)

8 designers – 8 objets
À partir de mobilier, de matériaux et d’objets récupérés, chaque designer est invité à concevoir une pièce singulière. Les objets imaginés devront dialoguer avec les usages contemporains du travail : concentration, bien-être, collaboration, convivialité, créativité et interactions sociales.

Processus de création
L’exposition défend une pratique du design attentive aux ressources, où la créativité s’exerce autant dans l’objet final que dans les processus de conception et de fabrication. Le processus de création constitue une dimension essentielle. Les designers puisent dans les flux de matières et d’objets transitant par les bennes du CSP, en considérant l’existant comme une ressource et la contrainte comme un moteur de projet.
Par le réemploi, la transformation ou le détournement, les designers sont invités à donner une nouvelle vie à des fragments oubliés et à explorer de nouvelles méthodes de conception.

L’objectif : créer des objets fonctionnels et porteurs de sens qui allient une approche low-tech et durable, une esthétique de la transformation et une attention portée à leur cycle de vie, leur réparabilité et leur potentiel de réemploi.

Designers
Naomi Blidariu
Collectif Contremarche
Nina F. D’Elia
Emma Py
Jaemo Lee
Kenza Nakous
Hugues Scheibli
Kurzaj Studio

Soutien: Tracks4crafts

"Dorica castra, des liens en images" est un projet démocratique de création participative sur le territoire chalonnais à la croisée de la création photographique, de la rencontre et de la recherche. "Dorica castra, des liens en images" est un projet démocratique de création participative sur le territoire chalonnais à la croisée de la création photographique, de la rencontre et de la recherche.
Pour le Bicentenaire de la Photographie, le musée Nicéphore Niépce sort de ses murs et accompagne des processus créations photographiques où chacun.e, professionnel.le de l’art ou non, peut être acteur.rice. Des artistes s'installent sur un temps long dans des lieux publics qui ne sont pas dédiés à la culture, en font des ateliers de création ouverts. Le dialogue s'instaure avec des collections du musée, leur création en cours et votre participation. Le musée vous propose de bouleverser les rapports habituels à la création artistique et d’expérimenter un processus artistique visibilisé et mis en partage. Vous êtes ainsi invités à participer et prendre part à la création !
Un collectif de chercheuses en art et en ergonomie accompagne, questionne et analyse ce qui se produit entre les images et pour chacun de nous.
Avec les artistes : Marielsa Niels, Valérie Frossard, Morgane Denzler + Erika Meda
et les chercheuses en art et en ergonomie : Muriel Prévot-Carpentier, Anne Bationo-Tillon et Raphaële Bertho.
Pour ces sessions à l'école de Saint-Loup-de-Varennes, c'est l'artiste Marielsa Niels qui sera présente.
Cette action est soutenue par la Drac Bourgogne-Franche-Comté, le Département de Saône et Loire, l’Agence nationale de la Cohésion Territoriale et le Grand Chalon.
Dorica Castra se déploiera sur d'autres lieux entre septembre 2026 et juillet 2027, soyez à l'affût !

Une sélection d'ouvrages de la bibliothèque universitaire pour découvrir la naissance d'une technique et d'un art Une sélection d'ouvrages de la BU pour découvrir la naissance d'une technique et d'un art

Table de présentation constituée à partir des collections de Photographie de la bibliothèque universitaire de Bron, illustrant les origines et la naissance de la photographie, et son développement jusqu'à la démocratisation de l'usage des appareils photo au tournant du XXè siècle.
Cette animation vous est proposée dans le cadre de la programmation ["L'Ici et ailleurs - 200 ans de photographie"](https://www.univ-lyon2.fr/vie-des-campus/bicentenaire-de-la-photographie), consultez le lien pour découvrir la programmation complète.

"Dorica castra, des liens en images" est un projet démocratique de création participative sur le territoire chalonnais à la croisée de la création photographique, de la rencontre et de la recherche. "Dorica castra, des liens en images" est un projet démocratique de création participative sur le territoire chalonnais à la croisée de la création photographique, de la rencontre et de la recherche.
Pour le Bicentenaire de la Photographie, le musée Nicéphore Niépce sort de ses murs et accompagne des processus créations photographiques où chacun.e, professionnel.le de l’art ou non, peut être acteur.rice. Des artistes s'installent sur un temps long dans des lieux publics qui ne sont pas dédiés à la culture, en font des ateliers de création ouverts. Le dialogue s'instaure avec des collections du musée, leur création en cours et votre participation. Le musée vous propose de bouleverser les rapports habituels à la création artistique et d’expérimenter un processus artistique visibilisé et mis en partage. Vous êtes ainsi invités à participer et prendre part à la création !
Un collectif de chercheuses en art et en ergonomie accompagne, questionne et analyse ce qui se produit entre les images et pour chacun de nous.
Avec les artistes : Marielsa Niels, Valérie Frossard, Morgane Denzler + Erika Meda
et les chercheuses en art et en ergonomie : Muriel Prévot-Carpentier, Anne Bationo-Tillon et Raphaële Bertho.
Pour ces sessions au Centre médico psycho-pédagogique de Chalon-sur-Saône, ce sont les artistes Erika Meda et Morgane Denzler qui seront présentes.
Cette action est soutenue par la Drac Bourgogne-Franche-Comté, le Département de Saône et Loire, l’Agence nationale de la Cohésion Territoriale et le Grand Chalon.
Les dates précises des sessions 2027 de cette résidence au Centre médico psycho pédagogique de Chalon-sur-Saône seront précisées ultérieurement sur cet agenda et sur le site internet [www.bicentenaire-niepce.com](http://www.bicentenaire-niepce.com). Dorica Castra se déploiera sur d'autres lieux entre septembre 2026 et juillet 2027, soyez à l'affût !

Venez découvrir 200 ans d'histoire de la photographie à travers celle de la cathédrale. Venez découvrir 200 ans d'histoire de la photographie à travers celle de la cathédrale.
Dès l’apparition des premiers procédés photographiques, les cathédrales ont été abondamment photographiées dans le cadre de l’étude des édifices ou des objets mobiliers, pendant les campagnes de travaux ou encore au lendemain de sinistres... L'exposition retrace ainsi plus d’un siècle d’histoire de ces monuments. Les photographies, réalisées de 1883 à nos jours, témoignent à la fois de l’évolution des techniques photographiques et des transformations des cathédrales de la région au fil du temps.
Cette exposition se décline dans les six cathédrales de Bourgogne-Franche-Comté à Autun, Besançon, Dijon, Nevers, Saint-Claude et Sens. Vous pourrez en apprendre plus sur ces monuments exceptionnels et l'histoire de la photographie.
L’exposition Objectif cathédrales, réalisée par la Direction régionale des affaires culturelles (Drac) de Bourgogne-Franche-Comté, est labellisée « Bicentenaire de la photographie ».

De Abdul Rahman Katanani avec Analix Forever. Curator : Barbara Polla (https://www.culturedepalestine.org/articles/119854-abdul-rahman-katanani)

(1983, Camp de Sabra, Beyrouth) vit et travaille au Liban.
Né dans le camp de Sabra, de parents réfugiés palestiniens, Abdul Rahman Katanani devient artiste, travaillant avec le matériel à disposition dans le camp : fil de fer barbelé, tôle ondulée, métal des barils de pétrole, bois... Titulaire d’un diplôme en Beaux-Arts de l’Université libanaise de Beyrouth et d’une maîtrise en arts plastiques, il expose dès 2012 à l’Institut français à Beyrouth, puis bénéficie de plusieurs résidences en France à la Cité des Arts de Paris, ainsi qu’à Nanterre et à « Vent des Forêts » dans la Meuse. Il reçoit le prix des jeunes artistes du Musée Sursock à Beyrouth, en 2009 et est nominé pour son engagement, en 2016, à YIA Art Fair (Paris).
Désormais franco-palestinien, Abdul Rahman Katanani réalise de nombreuses expositions en Suisse, en France et au Liban, en collaboration avec le trio de galeries Saleh Barakat, Analix Forever et Magda Danysz. Il a exposé à l’IMA à plusieurs reprises, au Musée du Fer en Suisse, à la Biennale d’Anglet (2016) et la Quadriennale de Malbuisson (2021), ainsi qu’aux Tuileries à Paris, pendant l’automne 2021. Son œuvre est présente dans la Fondation Dalloul Art, la collection Philippe Jabre, Dar El-Nimer, et le Musée arabe d’art moderne à Doha. Il vient de publier avec Barbara Polla un ouvrage de réflexions illustré de dessins originaux : Abdul Rahman Katanani, Paroles d’artiste_ (Slatkine, 2023).
Source : [https://analixforever.com/](https://analixforever.com/)

Un ensemble de panneaux vous dévoile le formidable réseau de plus de 1500 lieux développé par les moines de Cluny ! Un ensemble de panneaux vous dévoile le formidable réseau de plus de 1500 lieux développé par les moines
de Cluny à travers l'exemple de quelques pays !

Découvrez « Terrain de jeux, à l’épreuve du genre », l’exposition de Tim Douet à la Galerie Domus de Lyon 1, du 5 octobre au 12 novembre. « Terrain de jeux, à l’épreuve du genre »
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Pendant un an, le photographe Tim Douet a poussé les portes des laboratoires de recherche, arpenté les terrains d’entraînement, les gymnases et les salles de classe de l' (https://www.univ-lyon1.fr/universite/organisation/ufr-des-sciences-et-techniques-des-activites-physiques-et-sportives-ufr-staps), à l'occasion de la 5ᵉ édition de la [résidence d'artiste Arts & Sciences_](https://www.univ-lyon1.fr/actualites/actu-recherche/residences-de-creation-artistique-a-lyon-1) à Lyon 1 Université autour du thème "Regards inclusifs".

"Le sport n’est jamais seulement affaire de performances ou de règles. Il est aussi un espace où se rencontrent, se confrontent et parfois se brouillent les représentations du masculin et du féminin. Un espace où se dessinent des rapports de pouvoir, des habitudes, des résistances, mais aussi de nouvelles façons d’être ensemble..
Tim Douet s’est intéressé aux corps, bien sûr, mais aussi aux mots, aux regards, aux postures et aux silences. À tout ce qui, parfois à notre insu, révèle la manière dont nous prenons place parmi les autres.
Chaque image a ainsi été pensée comme une respiration, un espace d’arrêt"
Anaïs Viand, Commissaire d'exposition_

Une exposition à découvrir du 5 octobre au 12 novembre 2026.

Vernissage

Mercredi 7 octobre 2026 à 18h

Café Photo

Lundi 12 octobre 2026 à 12h

Une exposition en résonance avec la (https://www.labiennaledelyon.com/) de Lyon et labellisée (https://bicentenairephotographie.culture.gouv.fr/).

L'artiste photographe Tim Douet a été retenu dans le cadre de notre résidence d'artiste 2025-2026. L'artiste photographe Tim Douet a été retenu dans le cadre de notre résidence d'artiste 2025-2026.

L’objectif de cette résidence est de mener une création photographique immersive sur une année universitaire, d’octobre 2025 à octobre 2026, en s’appuyant sur la thématique transversale de l’inclusivité en questionnant : la diversité, les stéréotypes, le genre, le handicap, la représentativité du féminin dans le monde du sport et la recherche scientifique sur le corps. Tim Douet a exploré le quotidien des enseignants et des enseignants-chercheurs au sein des différents laboratoires de l’Ufr Staps, en lien avec la thématique citée précédemment.
À l’heure où les questions de diversité, de genre, d’inclusion, de représentativité et du handicap dans le sport sont des sujets sur lesquels il faut se questionner et progresser, ce projet de résidence artistique propose un regard engagé et sensible sur le travail commencé en ce sens à l’Ufr Staps.
Loin des clichés sur les corps athlétiques normés ou les pratiques sportives performatives, cette démarche photographique entend interroger, les représentations et les identités multiples qui traversent cet espace universitaire.
Ce projet photographique s’inscrit ainsi à la croisée de l’art et de la recherche, en mettant le corps – dans sa diversité, sa vulnérabilité, sa force et ses représentations – au centre du regard.
Ce projet vise à :
\- Participer à une déconstruction des stéréotypes dans l’univers du sport
\- Mettre en valeur la pluralité des expériences dans le champ sportif universitaire
\- Créer un espace de dialogue entre art, science et société
\- Impliquer la communauté universitaire dans un processus de création partagée
\- Offrir un regard artistique et engagé sur ces enjeux

Découvrez le Monde Élégant de la Maroquinerie de Luxe : Une Opportunité de Carrière vous Attend ! Découvrez le Monde Élégant de la Maroquinerie de Luxe : Une Opportunité de Carrière vous Attend ! Le secteur de la maroquinerie de luxe est réputé pour son savoir-faire artisanal incomparable, son héritage de qualité et son prestige intemporel. Cependant, malgré son attrait indéniable, ce domaine rencontre actuellement un défi majeur : le recrutement de talents passionnés et qualifiés. C'est pourquoi nous sommes ravis d'annoncer l'organisation d'une réunion spéciale qui se tiendra le 09 novembre

Construire un Avenir Durable Nous ouvrons les portes du Farinier médiéval de l’abbaye à l’école de Chaillot - Cité de l’architecture & du patrimoine - pour une exposition de dessins d’études d’architectes en devenir au service des Monuments historiques. Parcours de visite de l’abbaye : 11 septembre au 20 novembre 2026 - Droits d’entrée habituels .

Venez découvrir les reliquaires de l’abbaye, de retour à Cluny après 250 ans d’absence. Nouvelle Exposition Permanente :
Venez découvrir les reliquaires de l’abbaye, de retour à Cluny après 250 ans d’absence. Par la possession de reliques l’abbaye de Cluny devint très tôt un lieu de pèlerinage. Les textes anciens témoignent de la grande richesse des reliquaires conservés dans le trésor de l’abbaye. Pillé pendant les guerres de religion, le trésor fut anéanti à la Révolution. La redécouverte inespérée de plusieurs reliquaires des XVIIe et XVIIIe siècles est l’occasion de dresser un état de la question.

Découvrez l’exposition permanente du trésor monétaire de Cluny révélé lors des fouilles archéologiques de 2017 ! Découvrez l’exposition permanente du trésor monétaire de Cluny révélé lors des fouilles archéologiques de 2017.

En novembre, les sirènes débarquent au château de Voltaire !

L’Appartement a le plaisir de présenter "A Different Measure of Time", première exposition solo de Pablo Benzo à la galerie. Du 6 novembre au 18 décembre 2026. "A Different Measure of Time", rassemble une série de peintures où les frontières entre intérieur et extérieur, figure et paysage, mémoire et perception deviennent de plus en plus fluides. La pratique de Benzo repose sur la construction d'images qui résistent à un point de vue fixe. Ses peintures rassemblent des espaces et des perspectives disparates, non pour créer un monde cohérent, mais pour mettre en évidence l'instabilité de notre façon de voir et de nous souvenir.
Dans des œuvres telles que Tree's Advice et The Horizon_, la nature devient plus qu'un sujet ou décor. Elle introduit une autre échelle temporelle. La présence fugace d'une figure, la brève vie d'une fleur et la permanence apparente d'un arbre ou d'une montagne coexistent au sein d'une même image. Ce qui semble immobile se révèle être une autre forme de mouvement — un mouvement qui dépasse la mesure humaine de la durée.
Il transforme des sujets familiers par le biais de la couleur, de la compression spatiale et des variations d'échelle. Les objets et les paysages restent reconnaissables, mais leur signification évolue à travers les nouvelles relations qu'ils établissent avec d'autres images, espaces et perspectives au sein de l'ordre pictural qu'il construit. La mémoire complexifie encore cet ordre : les images se superposent, changent d'échelle et réapparaissent sous des formes altérées, produisant un espace qui n'est ni entièrement observé ni entièrement mémorisé.
À travers cet ensemble d'œuvres, Benzo propose la peinture comme une forme d'exploration temporelle et perceptuelle. En réunissant l'humain, le naturel, le souvenir et l'imaginaire, il s'interroge sur les autres formes de temps qui pourraient devenir visibles lorsque l'autorité de notre propre perspective est suspendue. Il en résulte un ensemble de peintures dans lesquelles l'immobilité est comprise non pas comme l'absence de changement, mais comme un mouvement perçu selon une autre mesure du temps.
"A Different Measure of Time", exposition solo de Pablo Benzo, est présentée à la galerie aux côtés de "Going Out", exposition solo de Bre Andy.

L’Appartement a le plaisir de présenter "Going Out", une nouvelle série de peintures de Bre Andy, qui marque sa première exposition solo au sein de la galerie. Du 6 novembre au 18 décembre 2026. "Going Out" rassemble une nouvelle série de peintures de Bre Andy. Travaillant principalement à partir de photographies de son entourage proche, l’artiste peint des scènes intimes réunissant des amies et des femmes, dans des intérieurs domestiques et désormais aussi en pleine nature. Ses compositions alternent figures entières et corps cadrés de près, jouant sur les variations d’échelle, de lumière, de texture et de perspective pour explorer l’écart entre ce qui est visible et ce qui reste inaccessible. À travers ce langage intime, Andy crée des images où les corps de femmes noires et racisées occupent l’espace selon leurs propres termes : au repos, en lien les unes avec les autres, absorbées dans des moments qui n’appartiennent pas forcément au spectateur.

Ce qui émerge de "Going Out" relève moins d’une investigation de l’identité que d’une étude de la présence intérieure et extérieure. Les figures restent conscientes d’elles-mêmes et de leur environnement, tandis que les peintures montrent comment l’espace autour d’elles influence leur visibilité, leur expression et leurs pensées. Elles détournent le regard, se reposent, se touchent, occupent l’espace et demeurent en partie inconnues. Ensemble, elles forment une constellation libre de l’être plutôt qu’une histoire résolue, un monde d’images où ce qui est retenu peut être aussi important que ce qui est montré.

"Going Out", exposition solo de Bre Andy, est présentée à la galerie aux côtés de "A Different Measure of Time", exposition solo de Pablo Benzo.

Des photographies anciennes provenant des fonds patrimoniaux de la ville de Dijon, et notamment de l'ancien service du Vieux Dijon, ponctuent le parcours du 1204, le centre d'interprétation de et du… Des photographies anciennes provenant des fonds patrimoniaux de la ville de Dijon, et notamment de l'ancien service du Vieux Dijon, ponctuent le parcours du 1204, le centre d'interprétation de l'architecture et du patrimoine. Ces photographies dialoguent ainsi avec les lieux évoqués dans le parcours d'exposition tout en attestant du rôle novateur de ce média dans la préservation du patrimoine.

Artistes et créateurs de mode face au sacré Coproduite par le Musée des tissus et des arts décoratifs et le musée de Fourvière à Lyon, l'exposition renouvelle le regard sur la création contemporaine en lien avec les thématiques du sacré à partir d'une trentaine d'œuvres. Sublimer l'étoffe. Artistes et créateurs de mode face au sacré témoigne de la manière dont, au XXe siècle, des artistes se sont intéressés au textile, pas seulement comme médium, mais comme un support pour expérimenter leur forme en trois dimensions, allant du carré de soie, à l'étoffe pour l'ameublement et aux vêtements liturgiques.
De manière concomitante, des artistes, comme Joan Miro, collaborent avec la maison lyonnaise Brochier, par l'intermédiaire d'Aimé Maeght, et d'autres participent, dans le cadre de la revue L'Art sacré, à la création de vêtements liturgiques. Cette exposition retrace les collaborations, l'intervention des artistes et les nouvelles modalités de créations qui se sont poursuivies comme pour les Journées mondiales de la jeunesse de 1997 (événement rassemblant la jeunesse catholique) avec les créations de Jean-Charles de Castelbajac, et plus récemment en 2024 pour la réouverture de la cathédrale Notre-Dame de Paris. Depuis toujours, les artistes ont été sollicités pour créer des parements religieux. Tous ces usages des tissus révèlent la place du textile dans notre société. Par ailleurs, l'art religieux a été une source d'inspiration pour les créateurs de mode.

Œuvres de Pierre Paulin et Renée Besson ; Patrimoine religieux, médiéval et économique ; Témoignages audios Expo : Saint-Denis-en-Bugey, un village de la Plaine de l'Ain
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Œuvres de Pierre Paulin et Renée Besson ; Patrimoine religieux, médiéval et économique ; Témoignages audios

"Saint-Denis-en-Bugey, un village de la Plaine de l'Ain - Patrimoine local et œuvres d'art"
M. Cédric Soulier est le porteur de ce projet et a pour co-concepteurs : M. Michel Paulin et M. Jean-Philippe Perret.
Cette exposition immersive portera principalement sur les œuvres de Pierre Paulin, artiste peintre sandenien, laquiste et maître-verrier, qui a réalisé les peintures murales de l'église , le patrimoine historique , religieux , économique , linguistique et mémoriel avec notamment une diffusion audio de témoignages des sandeniens qui on vécu au siècle dernier.

Vivre, résister et espérer à Plateau d'Hauteville-Brenod Expo : De la tragédie à l'espoir
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Vivre, résister et espérer à Plateau d'Hauteville-Brenod

Nouvelle exposition au Centre Social et Culturel Les7 Lieux ! « De la tragédie à l'espoir » — Plateau d'Hauteville - Brénod.
À travers cette exposition, plongez dans l'histoire de notre territoire ; les épreuves traversées, la résistance du quotidien et l'espoir qui a permis de se reconstruire. Une exposition réalisée par le Dreffia.
Du 14 septembre au 20 novembre 2026. Entrée gratuite.

Et si une pépinière racontait sa propre histoire ? Une exposition en plein air mêlant art contemporain, écologie et mémoire collective, dans le cadre de Résonance – Biennale de Lyon 2026. À Gratte-Terre, les plantes, les humains, le sol et les saisons construisent ensemble une histoire collective.
Conçue et portée par l’artiste Yayan LIU, en collaboration avec Thierry Boutonnier et le collectif Les Artistes Arboricoles, l’exposition propose une exploration sensible de cette pépinière à travers les gestes, les objets et les traces laissées au fil du temps.
Comme une fouille archéologique du vivant, elle rassemble graines, empreintes, matières végétales, outils et souvenirs pour révéler les relations qui se tissent entre les habitants et leur environnement.
Installée en plein air et dans une cabane au cœur de la pépinière, l’exposition invite petits et grands à découvrir des archives qui continuent de pousser, de se transformer et de renaître.

\Une exposition présentée dans le cadre de Résonance, programme associé à la 18e Biennale d’art contemporain de Lyon.\