Expositions à Bourg-en-Bresse et alentour

Cette exposition de l’Unige est une invitation à suivre la vie d’un grain de sable. Derrière cette ressource apparemment ordinaire se cachent des réalités souvent méconnues. Cette exposition est une invitation à suivre la vie d’un grain de sable. Façonné pendant des milliers d’années, il circule sur les fleuves, les mers et les routes du monde entier. De matière, il devient ressource, utilisé massivement dans le béton, matériau omniprésent dans nos bâtiments, routes et infrastructures. Mais derrière cette ressource apparemment ordinaire se cachent des réalités souvent méconnues: extraction intensive, paysages dégradés, écosystèmes fragilisés et profondes inégalités sociales et environnementales.
Depuis les carrières jusqu’aux villes marquées par la spéculation immobilière en passant par les chaînes logistiques globales, suivre un grain de sable, c’est interroger nos manières de construire, d’habiter et de transformer les territoires. C’est considérer d’autres matériaux plus durables (comme le bois, la terre, la pierre), d'autres pratiques constructives (comme le réemploi) et de nombreuses initiatives plus respectueuses de nos milieux et du vivant.

Plongez au cœur de l’art contemporain : Artraction présente des œuvres de Patrick Piccinelli, entre émotion et modernité. Une expérience rare, à la croisée de l’art, du patrimoine et de l’excellence. Exposition Patrick Piccinelli – Ports Francs et Entrepôts de Genève, 3–27 novembre 2026
Artraction est ravie de présenter une exposition exclusive dédiée à l’artiste suisse Patrick Piccinelli, du 3 au 27 novembre 2026, dans un lieu d’exception : les Ports francs et Entrepôts de Genève.
Reconnu pour son approche du minimalisme géométrique, Piccinelli s’inscrit dans la lignée du design graphique suisse, alliant rigueur, épure et raffinement. Ses œuvres, réalisées à l’acrylique, aux pigments et au vernis, jouent avec la lumière, la matière et la couleur pour créer des compositions à la fois contemplatives et vibrantes.
Cette exposition propose une immersion dans son univers singulier, où chaque toile devient un espace de respiration, de silence et d’équilibre. Les collectionneurs et amateurs d’art auront l’occasion de découvrir des pièces récentes.
Le choix des Ports Francs et Entrepôts de Genève comme écrin à cette manifestation n’est pas anodin : ce lieu emblématique, habituellement discret, ouvre exceptionnellement ses portes à la création contemporaine. Cette collaboration, initiée et consolidée par Artraction, s’inscrit dans une volonté de rapprocher l’art, le patrimoine et l’excellence genevoise.
Artraction, acteur engagé de la promotion de l’art contemporain en Suisse, poursuit ainsi sa mission de rendre l’art accessible, tout en valorisant les artistes et les lieux qui font la richesse culturelle de la région. Une invitation à vivre l’art autrement, dans un cadre rare et inspirant.

Exposition ouverte au public : du 3 au 27 novembre 2026
Lieu : Ports Francs et Entrepôts de Genève

Exposition audiovisuelle à Uni Mail présentant des vidéos de l'association Border Forensics qui mène des enquêtes avec et en soutien aux communautés exposées à la violence frontalière. À travers des extraits de trois films, l’exposition présente trois enquêtes menées par Border Forensics:

La mort de Blessing Matthew_ (2022) revient sur le décès de cette jeune femme nigériane, morte en 2018 alors qu’elle tentait de franchir la frontière franco-italienne dans les Alpes.
The Death of Roger Nzoy Wilhelm_ (2025) examine les circonstances de la mort de Nzoy, tué par la police vaudoise à la gare de Morges en 2021.
Enfin, Asymmetric Visions_ (2023) explore les dispositifs de surveillance aérienne et le contrôle des migrations en Méditerranée centrale.

En mobilisant des méthodes issues de la géographie, de l’analyse spatiale et géostatistique, de l’analyse de données et de la modélisation 3D, les contre-enquêtes de Border Forensics permettent de reconstituer des événements contestés et de documenter des violences souvent difficiles à établir. Border Forensics explore ainsi le potentiel des images et des données pour documenter les violences aux frontières, questionner les récits établis et contribuer aux luttes pour les droits humains et la justice migratoire.
Vernissage le 22 septembre à 18h30 avec les interventions de Jean-Paul Bronckart (Fonds Spitzer), Claire-Akiko Brisset (Comité scientifique du Mural), Charles Heller (Border Forensics), suivies d'une performance surprise et clos par une verrée.

Cette exposition audiovisuelle se tient sur le Mural Alexei Jaccard-Droits humains à Uni Mail. Ce dispositif propose un lieu de mémoire, d’information et de réflexion interdisciplinaire sur les droits humains et la disparition forcée dans le monde à partir du destin tragique d’Alexei Jaccard, étudiant suisso-chilien victime de disparition forcée en 1977.

Le projet Acedia de la photographe française Louise Desnos est une exploration visuelle de la paresse, de la fatigue et de l’intime. Le mot anglais acedia (acédie en français) désigne un état de profond ennui et d’apathie. Avec ce projet, l’artiste fait l’éloge de la paresse, si souvent décriée dans nos sociétés contemporaines toujours plus orientées sur la productivité et sur une optimisation constante de soi. Prenant le contrepied de ces incitations à la performance et à l’efficacité, Louise Desnos propose de repenser la paresse comme acte créatif, et comme posture de résistance face à l’aliénation au travail, à la compétition sans relâche et au consumérisme du système capitaliste.

Ses photographies sensibles et contemplatives, empreintes d’inspirations littéraires, cinématographiques et picturales, mettent en lumière des non-événements. La paresse, habitée par les modèles, se propose de traduire un refus de la vie telle qu’elle est donnée à vivre, au privilège d’une recherche de liberté, et d’un espace d’introspection, parfois teintée de mélancolie. La réalisation même de ce projet a été pour la photographe un moyen de se réapproprier du temps et de l’investir sans contrainte, à la différence de ses mandats rémunérés de photographe.

Une collaboration avec la Fondation Convergences.

Artraction présente une exposition exclusive dédiée à l’artiste Patrick Piccinelli, du 3 au 27 novembre 2026, dans un lieu d’exception : les Ports Francs et Entrepôts de Genève. Reconnu pour son approche du minimalisme géométrique, Piccinelli s’inscrit dans la lignée du design graphique suisse, alliant rigueur, épure et raffinement. Ses œuvres, réalisées à l’acrylique, aux pigments et au vernis, jouent avec la lumière, la matière et la couleur pour créer des compositions à la fois contemplatives et vibrantes.

Cette exposition propose une immersion dans son univers singulier, où chaque toile devient un espace de respiration, de silence et d’équilibre.

Le choix des Ports Francs et Entrepôts de Genève comme écrin à cette manifestation n’est pas anodin : ce lieu emblématique, habituellement discret, ouvre exceptionnellement ses portes à la création contemporaine. Cette collaboration, initiée et consolidée par Artraction, s’inscrit dans une volonté de rapprocher l’art, le patrimoine et l’excellence genevoise.

Artraction, acteur engagé de la promotion de l’art contemporain en Suisse, poursuit ainsi sa mission de rendre l’art accessible, tout en valorisant les artistes et les lieux qui font la richesse culturelle de la région.

Une invitation à vivre l’art autrement, dans un cadre rare et inspirant.

Exposition ouverte au public : du 3 au 27 novembre 2026

Lieu : Ports Francs et Entrepôts de Genève
Entrée libre de 8:00 à 11:45 et de 13:00 à 16:00, du lundi au vendredi.

Une géographie fantôme de Hugo Hu Résidence Atlas des absences
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Une géographie fantôme de Hugo Hu

Lauréat de l’appel à candidature pour la résidence de recherche en architecture Furieuse en vie, Hugo Haoran Hu est accueilli pendant 8 semaines à Salins-les-Bains, point d’ancrage et de départ pour une immersion de Pont d’Héry à la Chapelle-sur-Furieuse, un temps au cours duquel il construira avec les habitants une mythologie contemporaine de la Furieuse, où le dessin fait apparaître les fantômes du territoire — ce qui n’est plus et ce qui n’est pas encore — afin de rendre visibles ses histoires, ses imaginaires et ses patrimoines fragiles.
Né en 1995 à Kunming en Chine, Hugo Haoran Hu est architecte diplômé et fondateur de Sihu Lab, formé entre l’École nationale supérieure des Arts décoratifs, à l’Université technique d’Eindhoven. Sa pratique, à la croisé de l’architecture, du dessin et de la recherche, explore les relations entre lieux, récits, mémoires et imaginaires. Le dessin l’accompagne depuis toujours comme un outil d’observation et de narration, allant du carnet et de l’illustration au collage et à la bande dessinée.
Aux questions « Qu’est qu’un patrimoine fragile ? Comment révéler la qualité du cadre bâti, celle du cadre de vie ? », Hugo Hu répond qu’un patrimoine n’est pas seulement fragile lorsque sa matière disparaît, mais aussi lorsque les histoires, les usages et les imaginaires qui l’habitent cessent d’être transmis. Construire une mythologie contemporaine, c’est alors faire réapparaître ces fantômes et créer un système narratif ouvert — un support commun sur lequel les histoires du territoire peuvent continuer à se développer, se transformer et en faire naître de nouvelles. Faire vivre le patrimoine, ce n’est donc pas seulement conserver ce qui existe, mais lui permettre de continuer à produire du récit et des possibles.
Comment représenter ce qui n’est plus visible ?
Comment donner une forme à ce qui n’existe pas encore ?
Et comment ces absences participent- elles pourtant à notre manière d’habiter un lieu aujourd’hui ?
Ces interrogations rejoignent la notion d’hantologie : l’idée que le présent n’est jamais entièrement contemporain de lui-même, mais demeure habité par des passés qui ne disparaissent pas tout à fait et par des futurs qui se font déjà sentir avant d’advenir. Hugo Hu entend déplacer cette réflexion du champ théorique vers une expérience concrète du territoire : marcher, regarder, dessiner et écouter.
Là où la photographie saisit principalement ce qui est présent devant nous, le dessin permet de faire apparaître l’absence. Il peut superposer à une rue actuelle la trace d’un bâtiment disparu, retrouver dans un atelier les gestes d’un métier oublié, ou accueillir dans un espace vacant une présence qui n’existe pas encore.
La résidence donnera ainsi progressivement naissance à un Atlas des absences, une cartographie sensible et collective de la vallée organisée autour de deux figures temporelles :
No Longer — ce qui n’est plus là, mais continue de hanter le lieu.
Not yet — ce qui n’est pas encore là, mais dont la possibilité, le désir ou la crainte agit déjà sur le présent.
Il ne s’agira ni d’établir un inventaire patrimonial exhaustif, ni de proposer un projet d’aménagement. L’Atlas cherchera plutôt à révéler une autre épaisseur du territoire : celle des lieux ordinaires, des transformations silencieuses, des récits fragmentaires et des futurs imaginés.
Entre France, Italie, Pays-Bas et Chine, le parcours professionnel de Hugo Hu l’a notamment conduit à travailler pendant deux ans au studio Fuksas à Rome et lui a permis de développer un regard transversal sur différentes manières de concevoir, transformer et habiter les territoires. En parallèle, il développe une recherche personnelle sur les conditions contemporaines de l’architecture et sur les relations entre espace, temps et mémoire. Ses projets ont été distingués, notamment par le Prix Enah 2025, exposé à la…

Vivre, résister et espérer à Plateau d'Hauteville-Brenod Expo : De la tragédie à l'espoir
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Vivre, résister et espérer à Plateau d'Hauteville-Brenod

Nouvelle exposition au Centre Social et Culturel Les7 Lieux ! « De la tragédie à l'espoir » — Plateau d'Hauteville - Brénod.
À travers cette exposition, plongez dans l'histoire de notre territoire ; les épreuves traversées, la résistance du quotidien et l'espoir qui a permis de se reconstruire. Une exposition réalisée par le Dreffia.
Du 14 septembre au 20 novembre 2026. Entrée gratuite.

Une sélection d'ouvrages de la bibliothèque universitaire pour découvrir la naissance d'une technique et d'un art Une sélection d'ouvrages de la BU pour découvrir la naissance d'une technique et d'un art

Table de présentation constituée à partir des collections de Photographie de la bibliothèque universitaire de Bron, illustrant les origines et la naissance de la photographie, et son développement jusqu'à la démocratisation de l'usage des appareils photo au tournant du XXè siècle.
Cette animation vous est proposée dans le cadre de la programmation ["L'Ici et ailleurs - 200 ans de photographie"](https://www.univ-lyon2.fr/vie-des-campus/bicentenaire-de-la-photographie), consultez le lien pour découvrir la programmation complète.

"Dorica castra, des liens en images" est un projet démocratique de création participative sur le territoire chalonnais à la croisée de la création photographique, de la rencontre et de la recherche. "Dorica castra, des liens en images" est un projet démocratique de création participative sur le territoire chalonnais à la croisée de la création photographique, de la rencontre et de la recherche.
Pour le Bicentenaire de la Photographie, le musée Nicéphore Niépce sort de ses murs et accompagne des processus créations photographiques où chacun.e, professionnel.le de l’art ou non, peut être acteur.rice. Des artistes s'installent sur un temps long dans des lieux publics qui ne sont pas dédiés à la culture, en font des ateliers de création ouverts. Le dialogue s'instaure avec des collections du musée, leur création en cours et votre participation. Le musée vous propose de bouleverser les rapports habituels à la création artistique et d’expérimenter un processus artistique visibilisé et mis en partage. Vous êtes ainsi invités à participer et prendre part à la création !
Un collectif de chercheuses en art et en ergonomie accompagne, questionne et analyse ce qui se produit entre les images et pour chacun de nous.
Avec les artistes : Marielsa Niels, Valérie Frossard, Morgane Denzler + Erika Meda
et les chercheuses en art et en ergonomie : Muriel Prévot-Carpentier, Anne Bationo-Tillon et Raphaële Bertho.
Pour ces sessions à l'école de Saint-Loup-de-Varennes, c'est l'artiste Marielsa Niels qui sera présente.
Cette action est soutenue par la Drac Bourgogne-Franche-Comté, le Département de Saône et Loire, l’Agence nationale de la Cohésion Territoriale et le Grand Chalon.
Dorica Castra se déploiera sur d'autres lieux entre septembre 2026 et juillet 2027, soyez à l'affût !

Propriétaires et copropriétaires, profitez de conseils gratuits pour avancer dans vos projets de rénovation et mieux anticiper les évolutions énergétiques et réglementaires. Vous êtes propriétaire d’une villa ou copropriétaire d’une petite PPE de moins de cinq logements ? Profitez d’une heure de conseil personnalisé offerte par la Ville de Vernier pour faire le point sur votre bâtiment et vos projets.

2, 6, 9, 10, 12 et 13 novembre
entre 9h et 19h
Avenue Edmond-Vaucher 3, 1219 Châtelaine
Participation gratuite
Inscriptions obligatoire : [bati-durable.ch/guichet-energie](https://bati-durable.ch/guichet-energie)

Un accompagnement personnalisé
Ce rendez-vous permet d’obtenir des informations adaptées à votre situation et à vos besoins. Les échanges peuvent notamment porter sur:

la consommation énergétique

le remplacement du chauffage

la rénovation du bâtiment

l’installation de panneaux solaires

les aides financières disponibles

une première estimation de l’indice de dépense de chaleur (IDC)

Il n’est pas nécessaire d’avoir déjà un projet défini pour bénéficier de cet accompagnement.

Proposée par la Plateforme interreligieuse de Genève à la Maison de l’Avenir, l’exposition « Fleuve de vie, vie des fleuves » sera complétée par des visites guidées et une table ronde. Exposition "Fleuve de vie, vie des fleuves" à la Maison de l’Avenir, Impact Hub, Genève – Du 2 novembre au 4 décembre, lundi au vendredi de 9h à 18h
Un voyage à travers dix grands fleuves du monde abordés à travers différentes thématiques telles que la géographie, les traditions et les croyances, la biodiversité ou encore les ressources naturelles. En dévoilant la richesse et la diversité de ces écosystèmes, l’exposition invite à porter un regard sur la complexité et la beauté du vivant.

Visites guidées de l’exposition – 12 et 25 novembre à 18h30
Les visites guidées d’une durée d’une heure seront proposées par Pierre Rouyer, commissaire de l’exposition, et la visite du 12 novembre sera suivie d’un apéritif.

Table ronde – 24 novembre à 19h
Les fleuves et le sacré : des pratiques spirituelles au soin du vivant
Au fil du temps, les communautés ont tissé des liens profonds avec les fleuves, à travers leurs traditions et leurs pratiques spirituelles. Dans quelle mesure ces relations peuvent-elles favoriser une posture de soin et de réciprocité envers leurs milieux de vie ? Alors que notre époque tend à réduire le vivant à une simple ressource exploitable, ce lien au sacré peut-il inspirer d’autres voies à explorer ?
Avec les intervention d'Aurélie Netz, anthropologue, et de Gilles Mulhauser, ex-directeur de l’Office cantonal de l’eau de Genève.

[https://interreligieux.ch/wp/evenement/fleuve-de-vie-expo-table-ronde-sdr-2026/](https://interreligieux.ch/wp/evenement/fleuve-de-vie-expo-table-ronde-sdr-2026/)

Une exposition locale, créative et durable, en collaboration avec la Renfile et Onl’fait. Re:Make incarne l’idée qu’un futur désirable peut émerger de l’existant, par la créativité, la collaboration et le détournement des usages.
Les designers sont invités à imaginer des objets pour les espaces de travail, capables de susciter de nouvelles interactions et de faire évoluer les manières de travailler, tout en privilégiant une conception économe en ressources.

Vernissage le 29.10, 17h : (https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSfJGAwHJuueTmMVU6LoxYDSU1tuAoDtjxnXEf0P86Suceypmg/viewform)

8 designers – 8 objets
À partir de mobilier, de matériaux et d’objets récupérés, chaque designer est invité à concevoir une pièce singulière. Les objets imaginés devront dialoguer avec les usages contemporains du travail : concentration, bien-être, collaboration, convivialité, créativité et interactions sociales.

Processus de création
L’exposition défend une pratique du design attentive aux ressources, où la créativité s’exerce autant dans l’objet final que dans les processus de conception et de fabrication. Le processus de création constitue une dimension essentielle. Les designers puisent dans les flux de matières et d’objets transitant par les bennes du CSP, en considérant l’existant comme une ressource et la contrainte comme un moteur de projet.
Par le réemploi, la transformation ou le détournement, les designers sont invités à donner une nouvelle vie à des fragments oubliés et à explorer de nouvelles méthodes de conception.

L’objectif : créer des objets fonctionnels et porteurs de sens qui allient une approche low-tech et durable, une esthétique de la transformation et une attention portée à leur cycle de vie, leur réparabilité et leur potentiel de réemploi.

Designers
Naomi Blidariu
Collectif Contremarche
Nina F. D’Elia
Emma Py
Jaemo Lee
Kenza Nakous
Hugues Scheibli
Kurzaj Studio

Soutien: Tracks4crafts

Pacau Couture vous invite à découvrir son entreprise et les métiers du textile avec son partenaire le centre de formation de la branche Textile Maya Campus. Au programme :

Présentation du secteur textile / habillement
Présentation de l’entreprise Pacau Couture
Présentation des filières de formation de Maya Campus avec leurs dispositifs.
Visite interactive de l’entreprise : animation d’ateliers avec des échantillons de matières utilisées dans différents domaines (médical, habillement, aéronautique, ameublement).

Les partenaires de cet évènement :
Pacau Couture, Maya Campus (organisme de formation de la branche textile), Région Auvergne-Rhône-Alpes.
Constitution de 2 groupes de 30 personnes.

Visite exceptionnelle de l'entreprise Pacau Couture. Venez découvrir les métiers, les savoirs faires et les équipements qui participent à la fabrication textile française dans le domaine du luxe. Visite exceptionnelle de l'entreprise Pacau Couture. Venez découvrir les métiers, les savoirs faires et les équipements qui participent à la fabrication textile française dans le domaine du luxe.

- découvrez l'entreprise et les métiers du textile d'ennoblissement - rencontrez le centre de formation Maya Campus et les différents métiers du secteur du textile

Venez découvrir 200 ans d'histoire de la photographie à travers celle de la cathédrale. Venez découvrir 200 ans d'histoire de la photographie à travers celle de la cathédrale.
Dès l’apparition des premiers procédés photographiques, les cathédrales ont été abondamment photographiées dans le cadre de l’étude des édifices ou des objets mobiliers, pendant les campagnes de travaux ou encore au lendemain de sinistres... L'exposition retrace ainsi plus d’un siècle d’histoire de ces monuments. Les photographies, réalisées de 1883 à nos jours, témoignent à la fois de l’évolution des techniques photographiques et des transformations des cathédrales de la région au fil du temps.
Cette exposition se décline dans les six cathédrales de Bourgogne-Franche-Comté à Autun, Besançon, Dijon, Nevers, Saint-Claude et Sens. Vous pourrez en apprendre plus sur ces monuments exceptionnels et l'histoire de la photographie.
L’exposition Objectif cathédrales, réalisée par la Direction régionale des affaires culturelles (Drac) de Bourgogne-Franche-Comté, est labellisée « Bicentenaire de la photographie ».

Découvrez l’exposition permanente du trésor monétaire de Cluny révélé lors des fouilles archéologiques de 2017 ! Découvrez l’exposition permanente du trésor monétaire de Cluny révélé lors des fouilles archéologiques de 2017.

Dilo Dibout ? C'est la canne à sucre dans l'imaginaire collectif mauricien. Deux photographes Antonin Lainé (France) et Frédérick Bréville (Maurice) ainsi qu'une géographe Elsa-Xuân Lainé, les… Dilo Dibout ?\ C’est la canne à sucre dans l’imaginaire collectif mauricien. Deux photographes, Antonin Lainé (France) et Frédérick Bréville (Maurice) ainsi qu’une géographe, Elsa-Xuân Lainé, documentent les transformations en cours dans les territoires encore peu connus de l’île, à l’écart des littoraux. Mémoire vivante, photographies et récits mettent en lumière des paysages qui changent, l’empreinte d’un patrimoine industriel qui s’estompe et dévoilent la beauté fragile d’un monde qui se transforme.

L’exposition se décline en une soixantaine de photos en couleurs et en N&B de formats allant de 30x40 cm, à 50x60 cm avec une option en kakemonos suspendus en textiles.
Plusieurs thèmes sont imbriqués :
Photographies en couleur par Antonin Lainé : les territoires de la canne à sucre, le patrimoine industriel, les friches, les usines en activité, les nouveaux paysages.
Photographies en Noir & Blanc par Frédérick Bréville : portraits de celles et ceux ayant travaillé sur les territoires de la canne ; leurs paroles sont recueillies par Elsa-Xuân Lainé, ainsi que des reportages sur deux demeures historiques de domaines sucriers (maison Euréka de la famille Le Clézio et Demeure Saint Antoine).

Ce projet de photographie documentaire de création est structuré par des textes et des légendes contextualisées, en bilingue Français/Anglais par Elsa-Xuân Lainé.

L’exposition est programmée à l’Institut français de Maurice (IFM) à Rose Hill tout le mois de novembre 2026, l’accès est ouvert à tous et gratuit. De plus, un livre au titre éponyme, édité par l’association « De loin et/ou de près » sera lancé à cette occasion.

Dilo Dibout ? Ile Maurice propose de documenter les transformations du territoire mauricien contemporain, à travers les résonances entre friches industrielles, usines encore en activité, paysages redessinés par le développement économique, patrimoine industriel et témoignages des travailleurs de la canne. Il interroge la manière dont la monoculture de la canne à sucre a façonné les territoires, les paysages et les mémoires collectives. La photographie y est envisagée comme un outil documentaire et artistique, capable de révéler les traces visibles et invisibles des mutations, tout en construisant une écriture visuelle sensible, singulière et actuelle.
Dilo Dibout ? Ile Maurice s’inscrit dans la tradition documentaire et historique de la photographie industrielle, tout en élargissant cette approche. Il met en lumière la coexistence entre le territoire, le patrimoine et les dynamiques en représentation.

\Dilo Dibout ? : fait partie des « sirandanes » que l’on pourrait traduire par jeu de mots, énigme, se présentant sous la forme d’une question dont la réponse tient en un mot. A la question « de l’eau debout ? », la réponse est kann (la canne à sucre).

L’exposition a pour objectif de révéler au public l’ensemble de photographies de Jean-Baptiste Tournassoud (1866-1951) et de mettre en évidence les correspondances qui s’établissent au début du 20e à… Dans le cadre du Bicentenaire de la Photographie, le musée des Ursulines de Mâcon présente une exposition consacrée au regard porté par les artistes sur le monde rural durant l’ensemble du 20e siècle.

Si la peinture reste le modèle à suivre pour les photographes au début du siècle, une évolution se dessine progressivement, offrant à la photographie une place différente, qui lui permet de s’émanciper des canons esthétiques.

L’émergence d’un intérêt pour l’histoire locale et plus particulièrement pour la vie et les coutumes des paysans à partir des années 1920 se manifeste par le rôle nouveau assumé par la photographie. Devenue support documentaire indispensable pour les premiers ethnologues mâconnais qui œuvrent à la réalisation d’ouvrages en relation avec un univers rural en constante évolution, elle révèle parfois un attachement aux critères esthétiques qui valorisent les objets usuels sélectionnés. Outils, costumes, mobilier sont ainsi mis en lumière sur la pellicule et accèdent à un nouveau statut. Le chemin vers le musée de société est ouvert, celui qui voit la création des premiers écomusées.

Ce parcours inédit éclaire la naissance de nouvelles représentations, entre mémoire, modernité et hommage aux paysages et aux savoir-faire.

L’exposition interroge aussi la pertinence du sujet pour les artistes actuels qui livrent ainsi leur rapport au thème au travers d’œuvres singulières et par des formes d’expression diversifiées : Julien Beneyton, Nina Ferrer-Gleize, Hubert Munier, Jean-Baptiste Perret, Abel Tournissoux.

L’exposition bénéficie des labels Exposition d’intérêt national et Bicentenaire de la Photographie.
Du 2 octobre 2026 au 25 avril 2027
Du mardi au samedi 10h-12h30 et 14h-18h, le dimanche et jours fériés 14h-18h
Fermé les 1er novembre, 25 décembre, 1er janvier, 30 mars

Un ensemble de panneaux vous dévoile le formidable réseau de plus de 1500 lieux développé par les moines de Cluny ! Un ensemble de panneaux vous dévoile le formidable réseau de plus de 1500 lieux développé par les moines
de Cluny à travers l'exemple de quelques pays !

En résonance à la 18e Biennale d’art contemporain de Lyon, Urdla présentera Faire le sale une exposition monographique consacrée à l’artiste genevoise Delphine Reist. En résonance à la 18e Biennale d’art contemporain de Lyon, Urdla présentera Faire le sale une exposition monographique consacrée à l’artiste genevoise Delphine Reist.
Habituée à mettre en scène des objets du quotidien de toutes sortes, parfois activés, parfois autonomes, Delphine Reist construit à travers eux le socle théorique de sa pratique : l’exploration des formes d’aliénation physique et psychique inhérentes aux modes de travail, et par extension, aux sociétés qui les produisent.
À Urdla, Delphine Reist poursuit cette recherche, autour des gestes et tâches ordinaires souvent invisibilisés, en particulier lorsque ces activités relèvent historiquement du domaine féminin. Sacs en toile, fers et planches à repasser deviennent ainsi les vecteurs d’une réflexion sur la valeur et la reconnaissance du travail domestique.
Pour ce faire, l’artiste s’empare de la lithographie et de la diversité de ses procédés (reports, transferts et traces) afin de fixer sur le papier ces objets, dans une tentative de les faire exister dans une autre dimension. Réactivés et exposés hors de leur contexte d’usage, ces objets trouveront, dans l’ancienne usine de fabrication de tulle, un nouvel écho : celui d’un dialogue entre mémoire ouvrière et domestique.
L’exposition reposera sur un dialogue étroit entre ce corpus de lithographies imprimées et éditées par Urdla entre 2024 et 2026, des sculptures en bronze coproduites dans le cadre d’un workshop mené avec l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon (Ensba Lyon) et des pièces uniques de son atelier.
Urdla invite à découvrir Faire le sale de Delphine Reist du 19 septembre au 19 décembre 2026 avec un vernissage samedi 19 septembre de 14 heures à 18 heures.

Découvrez « Terrain de jeux, à l’épreuve du genre », l’exposition de Tim Douet à la Galerie Domus de Lyon 1, du 5 octobre au 12 novembre. « Terrain de jeux, à l’épreuve du genre »
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Pendant un an, le photographe Tim Douet a poussé les portes des laboratoires de recherche, arpenté les terrains d’entraînement, les gymnases et les salles de classe de l' (https://www.univ-lyon1.fr/universite/organisation/ufr-des-sciences-et-techniques-des-activites-physiques-et-sportives-ufr-staps), à l'occasion de la 5ᵉ édition de la [résidence d'artiste Arts & Sciences_](https://www.univ-lyon1.fr/actualites/actu-recherche/residences-de-creation-artistique-a-lyon-1) à Lyon 1 Université autour du thème "Regards inclusifs".

"Le sport n’est jamais seulement affaire de performances ou de règles. Il est aussi un espace où se rencontrent, se confrontent et parfois se brouillent les représentations du masculin et du féminin. Un espace où se dessinent des rapports de pouvoir, des habitudes, des résistances, mais aussi de nouvelles façons d’être ensemble..
Tim Douet s’est intéressé aux corps, bien sûr, mais aussi aux mots, aux regards, aux postures et aux silences. À tout ce qui, parfois à notre insu, révèle la manière dont nous prenons place parmi les autres.
Chaque image a ainsi été pensée comme une respiration, un espace d’arrêt"
Anaïs Viand, Commissaire d'exposition_

Une exposition à découvrir du 5 octobre au 12 novembre 2026.

Vernissage

Mercredi 7 octobre 2026 à 18h

Café Photo

Lundi 12 octobre 2026 à 12h

Une exposition en résonance avec la (https://www.labiennaledelyon.com/) de Lyon et labellisée (https://bicentenairephotographie.culture.gouv.fr/).

L'artiste photographe Tim Douet a été retenu dans le cadre de notre résidence d'artiste 2025-2026. L'artiste photographe Tim Douet a été retenu dans le cadre de notre résidence d'artiste 2025-2026.

L’objectif de cette résidence est de mener une création photographique immersive sur une année universitaire, d’octobre 2025 à octobre 2026, en s’appuyant sur la thématique transversale de l’inclusivité en questionnant : la diversité, les stéréotypes, le genre, le handicap, la représentativité du féminin dans le monde du sport et la recherche scientifique sur le corps. Tim Douet a exploré le quotidien des enseignants et des enseignants-chercheurs au sein des différents laboratoires de l’Ufr Staps, en lien avec la thématique citée précédemment.
À l’heure où les questions de diversité, de genre, d’inclusion, de représentativité et du handicap dans le sport sont des sujets sur lesquels il faut se questionner et progresser, ce projet de résidence artistique propose un regard engagé et sensible sur le travail commencé en ce sens à l’Ufr Staps.
Loin des clichés sur les corps athlétiques normés ou les pratiques sportives performatives, cette démarche photographique entend interroger, les représentations et les identités multiples qui traversent cet espace universitaire.
Ce projet photographique s’inscrit ainsi à la croisée de l’art et de la recherche, en mettant le corps – dans sa diversité, sa vulnérabilité, sa force et ses représentations – au centre du regard.
Ce projet vise à :
\- Participer à une déconstruction des stéréotypes dans l’univers du sport
\- Mettre en valeur la pluralité des expériences dans le champ sportif universitaire
\- Créer un espace de dialogue entre art, science et société
\- Impliquer la communauté universitaire dans un processus de création partagée
\- Offrir un regard artistique et engagé sur ces enjeux

Premier photographe de la presse quotidienne lyonnaise à entrer dans les collections de la Bibliothèque municipale de Lyon, Georges Vermard y occupe une place singulière. Acquis en 1990, son fonds de… Premier photographe de la presse quotidienne lyonnaise à entrer dans les collections de la Bibliothèque municipale de Lyon, Georges Vermard y occupe une place singulière. Acquis en 1990, son fonds est constitué de près de 15 000 photographies présentant la vie et les mutations sociétales de Lyon des années 1950 à 1970.

Disparu en février 2025, Georges Vermard est aujourd'hui honoré à travers une grande rétrospective qui révèle autant son regard de journaliste que son sens de la composition, son humour discret et son profond humanisme.

Organisée autour de huit grandes thématiques (société de consommation, urbanisme, mode, sport, spectacles, vie quotidienne ou encore grands événements lyonnais) l'exposition retrace les transformations d'une ville et d'une société en pleine mutation. Elle rappelle également combien la photographie de presse constitue aujourd'hui une source historique essentielle pour comprendre notre passé récent.

Découvrez la nouvelle exposition temporaire du Musée international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge du 8 octobre 2026 au 29 août 2027. Quels sont les objets qui accompagnent l’action humanitaire, que révèlent-ils sur la vie de celles et ceux qui en dépendent ? Trousses de premiers secours, tentes, prothèses, cartes, abris de fortune… Humanitarian, by Design? Le design au cœur de l’humanitaire explore le rôle vital du design – qu’il soit improvisé, institutionnel ou reconfiguré – dans les contextes de crise, de déplacement ou de précarité extrême. Des plastiques détournés aux architectures de l’attente, des récits personnels aux images de crise, l’exposition met en lumière des pratiques fragiles et souvent invisibles, conçues pour survivre, résister ou simplement garder l’espoir.

Fruit d’une collaboration entre l’Institut de hautes études internationales et du développement, la Head – Genève, l’Université de Copenhague, l’EssentialTech Centre de l’Epfl et le Musée international de la Croix- Rouge et du Croissant-Rouge, cette exposition nous invite à repenser le design humanitaire du point de vue de celles et ceux qui le vivent – et à réfléchir en quoi l’action humanitaire nous concerne toutes et tous, ici et maintenant.

Rétrospective sur les collections du Cirva, Centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques de Marseille Porter un regard contemporain sur une matière millénaire à travers la collection du Centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques (Cirva) de Marseille, telle est la visée de cette exposition. Plus de deux cents objets issus de cette utopie créative, initiée en 1983, témoignent d’une approche transdisciplinaire dont des oeuvres d’Ettore Sottsass, Pierre Charpin, Betty Woodman, Bob Wilson, Giuseppe Penone, Jana Sterbak et James Lee Byars.

Cette exposition est conçue et réalisée par le Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole, en partenariat avec le Cirva.

Retrouvez toutes les expositions sur notre (https://www.musee-ariana.ch/expositions/en-cours).

L'art de nouer les nuages Présent sur plusieurs continents depuis plus de deux millénaires, l'ikat consiste à teindre les fils avant leur tissage afin de faire naître des motifs aux contours délicatement flous.
En Ouzbékistan, cette technique porte le nom poétique d'abr bandi, littéralement l'art de nouer les nuages, une expression qui évoque toute la magie de ces étoffes où les couleurs semblent se fondre les unes dans les autres. Conçue avec Catherine Legrand, historienne du textile et spécialiste internationale de l'ikat, l'exposition réunit près de 150 œuvres provenant des collections du musée, de sa remarquable collection personnelle et de prêts exceptionnels de collectionneurs privés. Caftans ouzbeks, kimonos japonais, doubles ikats balinais, boubous d'Afrique de l'Ouest, costumes mayas du Guatemala ou encore créations de haute couture témoignent de l'extraordinaire diversité de cette technique textile universelle. Au fil du parcours, le visiteur découvre comment une même technique s'est développée aux quatre coins du monde, en s'adaptant aux cultures, aux croyances et aux usages de chaque société. Mais cette histoire est aussi celle de Bourgoin-Jallieu. Dès le XVIIIᵉ siècle, les soyeux lyonnais développent le chiné à la branche, directement inspiré des procédés de l'ikat. Au XIXᵉ siècle, les manufactures berjalliennes perfectionnent cette technique grâce à l'impression sur chaîne, faisant de la ville l'un des grands centres français de cette production textile. Les collections du musée en conservent aujourd'hui un témoignage exceptionnel. Pour prolonger cette découverte, une partie du parcours permanent s'enrichit d'une sélection d'étoffes imprimées sur chaîne issues des manufactures berjalliennes. Ce dialogue inédit entre patrimoine local et traditions textiles du monde entier révèle toute la richesse des collections du musée et replace l'histoire textile de Bourgoin-Jallieu dans une aventure universelle. À travers cette exposition d'envergure, le Musée de Bourgoin-Jallieu affirme sa vocation de lieu de référence consacré aux arts textiles et invite chacun à découvrir comment une technique née il y a plus de deux mille ans continue, aujourd'hui encore, d'inspirer les créateurs du monde entier. Un voyage exceptionnel, de l'Asie à l'Afrique, du Japon au Guatemala… Avec une escale incontournable à Bourgoin-Jallieu.
5 euros par adulte. Gratuit pour les moins de 25 ans, les membres des Amis du Musée de Bourgoin-Jallieu et du patrimoine, Membre de l'Icom, Agccpf, Guides-conférenciers, Presse, Enseignants dans le cadre de projet avec le musée. Gratuit également le dernier dimanche de chaque mois.
Site web :
[https://musee.bourgoinjallieu.fr/expo-temporaire/ikat-lart-de-nouer-les-nuages/](https://musee.bourgoinjallieu.fr/expo-temporaire/ikat-lart-de-nouer-les-nuages/)

De Abdul Rahman Katanani avec Analix Forever. Curator : Barbara Polla (https://www.culturedepalestine.org/articles/119854-abdul-rahman-katanani)

(1983, Camp de Sabra, Beyrouth) vit et travaille au Liban.
Né dans le camp de Sabra, de parents réfugiés palestiniens, Abdul Rahman Katanani devient artiste, travaillant avec le matériel à disposition dans le camp : fil de fer barbelé, tôle ondulée, métal des barils de pétrole, bois... Titulaire d’un diplôme en Beaux-Arts de l’Université libanaise de Beyrouth et d’une maîtrise en arts plastiques, il expose dès 2012 à l’Institut français à Beyrouth, puis bénéficie de plusieurs résidences en France à la Cité des Arts de Paris, ainsi qu’à Nanterre et à « Vent des Forêts » dans la Meuse. Il reçoit le prix des jeunes artistes du Musée Sursock à Beyrouth, en 2009 et est nominé pour son engagement, en 2016, à YIA Art Fair (Paris).
Désormais franco-palestinien, Abdul Rahman Katanani réalise de nombreuses expositions en Suisse, en France et au Liban, en collaboration avec le trio de galeries Saleh Barakat, Analix Forever et Magda Danysz. Il a exposé à l’IMA à plusieurs reprises, au Musée du Fer en Suisse, à la Biennale d’Anglet (2016) et la Quadriennale de Malbuisson (2021), ainsi qu’aux Tuileries à Paris, pendant l’automne 2021. Son œuvre est présente dans la Fondation Dalloul Art, la collection Philippe Jabre, Dar El-Nimer, et le Musée arabe d’art moderne à Doha. Il vient de publier avec Barbara Polla un ouvrage de réflexions illustré de dessins originaux : Abdul Rahman Katanani, Paroles d’artiste_ (Slatkine, 2023).
Source : [https://analixforever.com/](https://analixforever.com/)

Une expo co-curatée avec Mayi Arts Carine Biley et Ngalula Mafwata ont le plaisir de présenter Langages Sacrés : Les Métamorphoses, l’exposition personnelle du photographe et artiste visuel camerounais Martin Abega chez Filafriques à Genève.

Présentée dans le cadre d’une collaboration entre Filafriques et Mayì Arts, sous le commissariat de Ngalula Mafwata, l’exposition réunit une sélection de compositions photographiques et d’œuvres mêlant photographie, textile, broderie, cauris et charbon.

Langages Sacrés : Les Métamorphoses explore les processus de transformation qui traversent à la fois le corps et l’esprit : l’épreuve, la fragilité, la trace, la transmission et la régénération, métaphoriquement incarnées à travers la figure féminine.

De L’Image à la Matière

L’univers de Martin Abega réunit le corps, la mémoire et la beauté.

Pour Abega, la photographie n’est jamais une finalité. Elle est une porte, un portail sacré vers d’autres territoires de pensée interconnectés.

De la photographie au textile, de la broderie au charbon, l’image se prolonge, se fragmente, s’absorbe et prend forme autrement. Aux métamorphoses intérieures répondent alors des métamorphoses visuelles.

Langages Sacrés : Les Métamorphoses ne cherche pas à imposer une interprétation définitive du sacré. L’exposition ouvre plutôt un espace de contemplation et de questionnement.

Que reste-t-il de nous après la transformation ?

Première exposition temporaire du SaSA: une intervention artistique inédite, de Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, proposée en collaboration avec le Mamco. Pour son ouverture, le SaSA a invité le Mamco à concevoir un projet spécifique d'intervention artistique. Son choix s’est porté sur le travail de Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, dont plusieurs œuvres sont liées à l’archéologie.

Depuis plus de vingt-cinq ans, ce duo d’artistes développe une pratique qui associe images, enquêtes et recherches. Réunies ici, les œuvres Palimpsests, Time Capsules_ et Trilogies_ nous invitent à regarder sous la surface de nos villes, là où s’accumulent des histoires invisibles, nous entraînant dans un vertige temporel.

En faisant dialoguer mémoire, science et imagination, cette première exposition temporaire du SaSA invite à explorer le site comme un espace d’ancrage et d’expérimentation, où le territoire devient un lieu partagé entre savoirs, usages et créations contemporaines.

Une mémoire photographique - Expositions au Château de Nyon Quatre artistes, Andrea Knechtle, Jonathan Della Giacoma, Nicolas Lieber et Steve K9urbex présentent leurs travaux photographiques : des châteaux qui furent fastueux, mais aussi des intérieurs plus modestes qui tous sont – généralement – à l’état d’abandon.

Des monuments en ruine, mais qui peuvent évoquer le passé qui fut le leur. Dernières traces de bâtisses qui vont forcément, à terme, disparaître ; les poutres s’effondrant, les murs s’écroulant, et la végétation les envahissant.

Les photographes proposent leur vision personnelle de ces lieux abandonnés. Même si on ignore pourquoi ils le sont, ces images subsisteront dans notre imaginaire et dans notre mémoire, malgré l’effondrement inéluctable.

En parallèle, au deuxième étage du château, se déploie l’exposition Lea Lund & Erik K, Portraits dans l’abandon.

Sur chaque photographie, les deux artistes créent des univers imaginaires en des scènes composées d’un modèle – Erik K – en des décors inattendus voire improbables, des lieux abandonnés le plus souvent.

D’autres photographies de Lea Lund & Erik K. sont présentées à la galerie L’atelierphoto, Grand-Rue 13 à Nyon sous le titre : Lea Lund & Erik K par Catherine Edelman du 25 juin au 5 septembre 2026.