Expositions à Aubagne et alentour

Découvrez Avignon autrement avec un jeu de piste sur smartphone à travers son centre historique. En toute autonomie, résolvez des énigmes, observez les monuments et plongez dans l’histoire. Partez à la découverte d’Avignon avec un jeu de piste ludique et culturel à réaliser en toute autonomie depuis votre smartphone.

Pendant environ 1h10, explorez le centre historique et laissez-vous guider d’étape en étape à travers ses ruelles, ses places et ses monuments emblématiques. À chaque étape, observez votre environnement, repérez des détails parfois insoupçonnés et résolvez des énigmes pour poursuivre votre aventure.

Le parcours vous fera notamment découvrir la collégiale Saint-Agricol, la place de l’Horloge et l’Hôtel de Ville, l’Opéra Grand Avignon, le célèbre Palais des Papes, la basilique Saint-Pierre et la tour Saint-Jean.

Au fil du jeu, façades anciennes, sculptures, symboles et détails architecturaux deviennent autant d’indices à observer et à décrypter. Les différentes énigmes permettent de découvrir progressivement l’histoire d’Avignon et les événements qui ont façonné son identité au fil des siècles.

La présence des papes a profondément marqué l’histoire, l’architecture et le patrimoine religieux de la ville. Cette promenade ludique permet ainsi de parcourir la cité des papes sous un autre angle, en associant observation, réflexion et découverte culturelle.

Le jeu se pratique en couple, en famille ou entre amis, avec des équipes de 1 à 4 joueurs utilisant un même téléphone. Aucun créneau horaire n’est imposé : une fois le parcours acheté et activé dans l’application Explorano, vous pouvez commencer quand vous le souhaitez et avancer à votre rythme.

Départ : 3 rue de la Petite Fusterie, 84000 Avignon
⏱ Durée indicative : 1h10
1 à 4 joueurs par équipe
Smartphone Android ou iPhone nécessaire
Difficulté : facile
Tarif : 19,90 € par équipe

Découvrez Arles autrement avec un jeu de piste sur smartphone à travers son centre historique. En toute autonomie, résolvez des énigmes, observez les monuments et explorez l’héritage romain. Partez à la découverte d’Arles avec un jeu de piste ludique et culturel à réaliser en toute autonomie depuis votre smartphone.

Pendant environ 1h10, explorez le centre historique et laissez-vous guider d’étape en étape à travers ses ruelles, ses places et ses monuments emblématiques. À chaque étape, observez votre environnement, repérez des détails parfois insoupçonnés et résolvez des énigmes pour poursuivre votre aventure.

Le parcours vous fera notamment découvrir les célèbres Arènes d’Arles, le Théâtre antique, la cathédrale Saint-Trophime, la place du Forum et l’Hôtel de Ville, mais aussi la Porte de la Cavalerie, la fontaine Amédée Pichot et les Thermes de Constantin.

Au fil du jeu, façades anciennes, sculptures, symboles et détails architecturaux deviennent autant d’indices à observer et à décrypter. Les différentes énigmes permettent de découvrir progressivement l’histoire d’Arles et les nombreuses époques qui ont laissé leur empreinte sur la ville.

De son important héritage romain à son patrimoine médiéval et à son identité provençale, Arles dévoile ainsi plusieurs siècles d’histoire au fil d’une promenade mêlant observation, réflexion et découverte culturelle. Une manière originale d’explorer les incontournables de la ville tout en découvrant les histoires et les secrets qui se cachent derrière ses monuments.

Le jeu se pratique en couple, en famille ou entre amis, avec des équipes de 1 à 4 joueurs utilisant un même téléphone. Aucun créneau horaire n’est imposé : une fois le parcours acheté et activé dans l’application Explorano, vous pouvez commencer quand vous le souhaitez et avancer à votre rythme.

Départ : 2 rue de la Cavalerie, 13200 Arles
⏱ Durée indicative : 1h10
1 à 4 joueurs par équipe
Smartphone Android ou iPhone nécessaire
Difficulté : facile
Tarif : 14,90 € par équipe

Accueil > événements > Exposition – « Regarder à travers » de Raphaël Hardelin Lieu Centre André Malraux 10 avenue de la Moutte Castelnau-le-Lez, 34170 France + Google Map Téléphone : 04 67 02 99 40

Les marins et la mode L’uniforme de la Marine n’a jamais été qu’une simple tenue. Matrice esthétique, il a profondément façonné l’histoire de la mode moderne. De la marinière réglementée au caban intemporel, du pantalon à pont qui émancipe la silhouette aux détails convertis en signature, le vestiaire naval incarne une grammaire de l’utilité devenue élégance.

Comment ce qui était réglementé, hiérarchisé et pensé pour unifier s’est-il transformé en langage stylistique pluriel et crée désormais de la singularité ? À travers archives, photographies, créations iconiques et pièces haute couture, cette exposition révèle le paradoxe fascinant du marin, entre protocole et émancipation. Celui d’un imaginaire foisonnant n’a jamais cessé de réinventer la mode.
Site web :
[https://www.la-seyne.fr/les-marins-et-la-mode-la-nouvelle-exposition-annuelle-de-balaguier/](https://www.la-seyne.fr/les-marins-et-la-mode-la-nouvelle-exposition-annuelle-de-balaguier/)

En forêt, de la gestion à l'évasion En forêt, de la gestion à l'évasion

Le prieuré de Salagon, labellisé ethnopôle depuis 1996 vous propose de découvrir l’exposition En forêt, de la gestion à l'évasion_ avec les photographies de Vincent Munier en collaboration avec le musée des Confluences. Exposition visible du 3 juillet 2025 au 14 décembre 2026.

Cette exposition propose donc d’explorer l’évolution de notre relation à la forêt à l’époque contemporaine. Grâce à des objets du musée de Salagon, des photographies, des films, des documents d'archives, des tableaux prêtés par des musées partenaires, l’exposition propose un récit sur l’évolution de la forêt à l’époque contemporaine. Elle prend pour contour la Provence et les Alpes du sud tout en élargissant le regard dans une approche anthropologique.
Sous la forme d’un parcours thématique, l’exposition interroge d’abord l’évolution de l’exploitation et de la gestion forestière dans les Alpes du sud. Le scenario prend pour point de départ le milieu du XIXe siècle, époque charnière. L’exposition immerge dans les métiers d’autrefois (charbonniers, bucherons etc.) qui ont évolué ou ont fini par disparaître. En même temps, l'industrialisation favorise une industrie du bois considérable qui finit par s’estomper au milieu du XXe siècle. Entre travail artisanal et industrie, l’exposition dévoile ainsi les différentes échelles du travail du bois et leurs évolutions.
Mais dans le même temps, l’exposition montre aussi que notre relation à la forêt est fortement marquée par une sensibilité plus urbaine et romantique qui prend racine là-aussi, au milieu du XIXe siècle. Artistes, écrivains, peintres se passionnent alors pour les forêts et diffusent ce nouvel imaginaire qui associe la forêt à la nature sauvage. Certaines forêts comme Fontainebleau deviennent un patrimoine, l’expression d’une esthétique et accompagnent aussi les premiers temps du tourisme. Une nouvelle sensibilité émerge, comme en témoigne les premières mobilisations pour lutter contre les coupes d’arbres. En Provence, les clubs de randonnées s’épanouissent, comme la Société des excursionnistes marseillais dont les membres s’adonnent à la randonnée dans le massif de la Sainte-Baume, l’Isère ou la montagne de Lure. Les fonctions récréatives, médicales, esthétiques des forêts naissent alors, en cette fin du XIXe siècle et n’ont cessé de se développer à mesure que la société s’est urbanisée.

Mais l’exposition révèle aussi une réalité forte de la France contemporaine : le prodigieux essor du couvert forestier qui s’est accru depuis la fin du XIXe siècle. Nous vivons l’ère des forêts. Cette évolution est le fruit des grands plans de reboisement entrepris depuis la fin du XIXe siècle combinés à des évolutions structurelles : l’exode rural, la désertification des campagnes, le déclin du pastoralisme et le recul de l’agriculture. Les paysages en Provence ont considérablement évolué : les grands « déserts » des plaines, plateaux et basses montages sont aujourd’hui recouverts d’arbres. Souvent peu gérées, morcelées et peu exploitées, les forêts sont aujourd’hui majoritairement privées et surtout fragiles et vulnérables. L’exposition interroge ainsi, dans le contexte de la crise environnementale, comment les forêts peuvent aujourd’hui être mieux gérées et en quoi elles sont un potentiel pour le développement de filières durables d’avenir.

Découlant de cette évolution, l‘exposition interroge les nouveaux usages de la forêt à une époque où elle apparaît comme une ressource, un âge d’or, un refuge. En témoigne l’engouement pour les bains de forêts, la sylvothérapie, l’essor de loisirs (accrobranche) qui montrent quant à eux un rapport plus ludique à la forêt. Mais la forêt contemporaine, en proie au défi climatique, cristallise aussi des oppositions et des mobilisations, souvent contre des projets d'aménagement, de plus en plus mal acceptée par une partie de la population. Les forêts deviennent alors le théâtre des clivages et tensions de…

Venez découvrir les créations de l’artisan et artiste Alain Chevalier. Une centaine de fleurs en pierre de lave émaillée prennent place dans les espaces extérieurs de l’abbaye, entrant en résonance avec les chapiteaux du cloître.

L’exposition met en lumière l’importance du végétal dans l’art roman.

Par son cycle perpétuel, la nature témoigne du vivant, de sa force vitale et de sa beauté, dans une création à la fois simple et essentielle.
Au Moyen Âge, l’art roman réinterprète les motifs végétaux hérités de l’Antiquité en les épurant et en les stylisant. Ces formes, immédiatement lisibles, se prêtent naturellement à l’entrelacement : par essence, le végétal renaît.

Créées en 2025 pour l’abbaye de La Sauve-Majeure, les pâquerettes d’Alain Chevalier ont ensuite fait escale à l’abbaye du Thoronet avant de rejoindre aujourd’hui l’abbaye de Montmajour.

Une floraison minérale à découvrir au fil des saisons, entre patrimoine roman et création contemporaine.

Correspondences est une collaboration en constante évolution entre Soundwalk Collective, composé de Stephan Crasneanscki, de Simone Merli et l’iconique autrice, artiste et musicienne Patti Smith. Né de plus d’une décennie d’échanges, Correspondences mêle son, vidéo et poésie afin de faire émerger des paysages où la création artistique, l’imagination scientifique et la lutte politique se mesurent à la fragilité du monde naturel.

L’exposition à Luma Arles prend la forme d’une installation immersive et constitue la première présentation majeure de ce projet en Europe. Elle réunit l’ensemble des œuvres vidéo élaborées jusqu’à présent à l’occasion de cette collaboration. Deux nouvelles commandes portent sur la Camargue, un territoire dessiné par l’eau, les mythes, le changement environnemental et la présence humaine, de l’Antiquité romaine aux traditions provençales autour de Marie-Madeleine. L’exposition met les films en dialogue deux à deux, jouant de la fragmentation et de la recomposition, pour ouvrir un troisième espace dédié à la mémoire, à la résonance et aux associations nouvelles. Le public est invité à composer sa propre trajectoire à travers les images, les sons et les récits qui l’entourent.

Aux côtés des œuvres vidéo sont présentées des compositions sonores, des documents d’archive, des impressions et des installations. Le projet envisage les paysages non seulement comme un terrain physique mais aussi comme une archive mentale : des lieux façonnés par l’imaginaire, la mémoire et l’émotion. Ceux-ci sont explorés à la recherche des traces laissées par des images héritées, des mythes, des blessures historiques et un désir politique.

Les différentes œuvres convoquent des explorateurs courageux et visionnaires qui, dans leur quête de connaissance, ont ouvert de nouveaux territoires, qu’ils soient géographiques ou mentaux. On trouve parmi eux des figures comme Andreï Roublev, le grand peintre médiéval russe connu pour ses fresques et icônes ; Pier Paolo Pasolini, le poète, écrivain et réalisateur italien ; Alfred Wegener, le météorologue, géologue et explorateur polaire allemand ; ainsi que Pierre Kropotkine, l’anarchiste, philosophe politique et géographe russe.

Le son se situe au cœur de Correspondences. Des enregistrements de terrain ont été collectés par Stephan Crasneanscki dans des lieux qui comptent parmi les plus reculés et vulnérables de la planète : glaciers en cours de fonte, déserts, forêts, zones humides et territoires contaminés. Ces enregistrements se déploient pour constituer des environnements sonores qui évoquent la mémoire et sa circulation entre des géographies lointaines, des histoires et des habitats naturels.

Patti Smith répond aux textures acoustiques de ces paysages par l’intimité de la poésie et du chant, faisant entendre une multiplicité de voix qui traverse les corps, les histoires et les états d’esprit. Elle incarne tour à tour les enfants de Tchernobyl, la grande prêtresse et sorcière Médée et les forces de la nature, ou encore se fait l’hôte de présences humaines et plus qu’humaines. Sa voix est à la fois exaltante, prémonitoire et inquiétante. Elle apparaît telle une invocation, une berceuse et une lamentation autour des liens entre la nature, l’histoire humaine et la création artistique. Ces paysages sonores sont tissés à des archives cinématographiques et séquences originales de manière à remettre en question la prépondérance de la vision et à permettre au son de donner une autre forme à l’image, de la troubler et d’en étendre la portée.

Si certains sons et images amplifient le sentiment d’une présence, d’autres évoquent celui de l’absence. Stephan Crasneanscki réunit et recompose des images d’archives spectrales, auxquelles Patti Smith répond par des interventions subtiles faites de lignes et de poésie. Correspondences constitue ainsi l’archive d’un monde en train de disparaître, hanté par les traces, les ruines, l’extinction et le souvenir. À l’intérieur de cette constellation, les…

Stan Douglas (né en 1960 à Vancouver) est un photographe et cinéaste visionnaire qui, depuis plus de quarante ans, transforme les possibilités offertes par les médiums de l’image optique. Son œuvre revisite des événements historiques, des formes musicales et des récits culturels spécifiques afin de s’interroger sur la manière dont l’histoire est produite, représentée et gardée en mémoire. Portant une attention exceptionnelle à l’image, au son, au montage et à la mise en scène, Stan Douglas crée des œuvres dans lesquelles le passé n’est jamais clos mais revient plutôt comme un champ de tensions non résolues qui continuent de façonner le présent.

Pour Bodies Never Lie, Stan Douglas a réalisé Exquisite Corpse, une nouvelle installation vidéo multicanal commandée par Luma Arles, qui se déroule dans l’Espagne franquiste des années 1950. À cette époque, les formes régionales du flamenco étaient marginalisées, tandis que le régime cherchait à normaliser et à commercialiser le flamenco en tant que symbole culturel nationaliste. Comme la plupart des œuvres de Stan Douglas, Exquisite Corpse est construite avec une mise en scène précise et complexe. Tournée au printemps 2026, l’œuvre dépeint trois sessions informelles de flamenco dans trois lieux distincts : les grottes de Beas de Guadix, des maisons d’ouvrier·ères des salines de Cabo de Gata et un moulin à huile loué pour un mariage dans la province de Grenade. Le film, présenté au centre de l’exposition, est structuré comme un cadavre exquis en trois parties, évoquant le jeu surréaliste célébré par André Breton, dans lequel des contributions distinctes produisent des séquences inattendues, des juxtapositions et des formes collectives.

L’exposition comprend également une sélection d’œuvres cinématographiques et vidéo qui contextualisent cette nouvelle commande. Pour la vidéo à deux canaux Hors-champs (1992), présentée pour la première fois à la documenta IX à Kassel, Stan Douglas a filmé des musicien·nes de free jazz dans un style rappelant la télévision française des années 1960. Un côté de l’écran présente un montage télévisuel soigné, tandis que l’autre révèle des images qui resteraient normalement invisibles. Le free jazz, avec son rejet des harmonies conventionnelles, des accords progressifs et des tempos réguliers, était dans les années 1960 étroitement associé aux mouvements de libération politique, en particulier à Paris, où plusieurs figures noires américaines vivaient en exil volontaire. D’autres œuvres de l’exposition prolongent ce contexte français, notamment Vidéo (2007), filmée dans une banlieue parisienne, et Doppelgänger (2019), œuvre rétro-futuriste qui se déroule en Guyane française, présentée sur un écran divisé en deux.

L’exposition présente également trois des séries photographiques majeures de Stan Douglas : 2011 ≠ 1848 (2017-2021), Penn Station’s Half Century (2021) et son œuvre récente The Enemy of All Mankind: Nine Scenes from John Gay’s Polly(2024). Chacune aborde des récits historiques et des bouleversements sociaux et politiques, ainsi que des moments où l’ordre établi se fracture et où de nouvelles réalités incertaines émergent. Dans 2011 ≠ 1848, par exemple, Stan Douglas confronte des manifestations, émeutes et occupations de 2011 aux révolutions bourgeoises qui ont balayé l’Europe en 1848, montrant avec un souci du détail méticuleux et une sophistication technique la manière dont l’histoire se fait écho sans se répéter.

Le titre de l’exposition est tiré d’une citation de la chorégraphe et danseuse américaine Agnes De Mille, nièce du réalisateur hollywoodien Cecil B. DeMille, qui a écrit : « L’expression la plus authentique d’un peuple réside dans ses danses et sa musique. Les corps ne mentent jamais. » Dans l’œuvre de Stan Douglas, corps, sons et images deviennent les témoins de l’histoire, révélant ce que les récits officiels occultent.

Luma Arles présente In Search of… Incredible, une exposition de Julianknxx, poète, artiste et cinéaste, sierra-léonais et installé à Londres, accompagnée d’une commande inédite. Luma Arles présente In Search of… Incredible_, une nouvelle exposition de Julianknxx, poète, artiste et cinéaste, né en Sierra Leone et installé à Londres, accompagnée d’une commande inédite. Travaillant à partir du film, du son et de la performance, Julianknxx a développé une pratique singulière qui fait dialoguer la poésie et l’image animée, créant des pièces où la mémoire est portée, énoncée et continuellement reformulée. Son travail s’intéresse aux résonances de la migration et de la diaspora, tissant des récits intimes à des histoires collectives, et donnant une présence à des voix et à des expériences trop souvent absentes des récits dominants.

Au centre de l’exposition, la nouvelle commande se déploie comme un environnement immersif où convergent image, son et langage. Le sentiment d’appartenance y apparaît comme quelque chose de fragile et d’actif à la fois, façonné par la transmission, l’héritage et les actes de mémoire. L’artiste aborde la narration comme un espace de rencontre, où le témoignage personnel devient le moyen de réfléchir à des questions plus larges d’identité et de continuité.

In Search of… Incredible_ révèle la capacité de Julianknxx à créer des œuvres d’une profonde intensité, émotionnelle autant que formelle. Sa pratique pluralise la façon dont les histoires peuvent être racontées et vécues, et s’affirme comme l’une des voix les plus saisissantes de sa génération. L’exposition témoigne de l’engagement durable de Luma Arles à soutenir les artistes qui interrogent et renouvellent notre compréhension de l’image, de l’histoire et des politiques de la voix.

Luma Arles présente une exposition consacrée aux Overpainted Photographs de Gerhard Richter, l’un des ensembles les plus importants et les plus radicaux de six décennies de pratique. \> Luma Arles présente une exposition consacrée aux Overpainted Photographs de Gerhard Richter, l’un des ensembles les plus importants et les plus radicaux de six décennies de pratique. En intervenant directement sur des instantanés photographiques à coup de peinture à l’huile, Richter démantèle la prétendue autorité de la photographie comme enregistrement fiable du réel. L’image n’est ni tout à fait révélée ni entièrement occultée : elle devient une surface disputée où représentation et abstraction s’affrontent.

\> Dans ces œuvres denses, Richter soumet l’image photographique au geste, au hasard et à la matière. Les marques peintes interrompent sa fonction descriptive, la faisant basculer d’un support de preuve à un espace d’ambiguïté. Ce qui apparaît n’est plus un document, mais un événement – la révélation de la façon dont mémoire, perception et sens se construisent et se défont sans cesse.

\> Overpainted Photographs traverse les questions centrales de la pratique de Richter : les limites de la représentation, l’instabilité de la vérité, les conditions dans lesquelles les images façonnent la croyance. L’exposition offre une occasion rare de découvrir ces œuvres discrètes mais radicales, et d’éprouver leur pertinence durable et leur profonde influence sur le discours artistique contemporain. À une époque définie par la prolifération et la manipulation des images, les Overpainted Photographs s’imposent comme des œuvres fondamentales, qui font de l’image un lieu d’incertitude, de résistance et de transformation.

Le sixième chapitre des Archives Hans Ulrich Obrist honore le dixième anniversaire de la disparition de Dame Zaha Hadid. Le sixième chapitre des Archives Hans Ulrich Obrist honore le dixième anniversaire de la disparition de Dame Zaha Hadid (née le 31/10/1950 à Bagdad, Irak – décédée le 31/03/2016 à Miami, Floride, États-Unis). Cette exposition revient sur le long dialogue entre le commissaire et l’architecte légendaire, qui débute à la fin des années 1990 lorsqu’Obrist invite Hadid à réaliser Meshworks_ à la Villa Médicis en 2000. Hadid siège au conseil d’administration de la Serpentine dès 1996 et y conçoit le Pavillon inaugural en 2000, à l’invitation de Julia Peyton-Jones. Suite à la nomination d’Obrist à la Serpentine en 2006, elle participe à plusieurs de ses Marathons et signe ultérieurement la Serpentine North Gallery en 2013.

Pour la première fois depuis 2016, l’exposition réunit ses premières peintures calligraphiques et ses carnets — exercices de géométrie suprématiste qui nourrissent ses projets bâtis, de la Caserne de pompiers Vitra (1993) à la Tour Cma cgm (2011) à Marseille ou Pierresvives (2012) à Montpellier — accompagnés d’entretiens vidéo inédits de 2001 à 2013. Présentée dans La Tour conçue par le regretté Frank Gehry, ami proche de Hadid, l’exposition déploie trois chapitres de sa carrière d’architecte : du constructivisme à ses projets et réception précoces dans le contexte français, ainsi que sa relation au long cours avec Obrist.

En étroite collaboration avec la Zaha Hadid Foundation.

Un autre regard : présentation du phénomène optique de la camera obscura au cœur d’un monument d’Arles. Dispositif itinérant dans les monuments historiques :

aux Alyscamps : en octobre – novembre – décembre 2026
à l’Amphithéâtre : en janvier-février 2027
au Théâtre antique : en mars-avril 2027
au Cloitre Saint Trophime : en mai-juin 2027
aux Thermes de Constantin : en juillet-aout septembre 2027

Redécouvrez les sites historiques d’Arles à travers une chambre noire, ancêtre de l’appareil photographique.
La « Camera Obscura » est une boîte noire sur la paroi de laquelle on a fait un trou qui permet d’obtenir sur la paroi opposée une image renversée de la scène extérieure.
Déjà connu dans l'Antiquité à l'époque d'Aristote, environ 300 ans avant JC, ce principe fut décrit au Xème siècle, par le savant arabe Ibn al Haytam. Au XVe siècle, Léonard de Vinci expliqua le phénomène de manière rationnelle. Puis, au cours des XVIe et XVIIe siècle, on a l’idée de remplacer le petit trou par une lentille pour améliorer le rendu de l’image, puis d’installer un miroir pour la redresser, et d’utiliser la camera obscura comme instrument de dessin.
Entrée gratuite dans le monument pour les moins de 18 ans et pour les Arlésiens.
Horaires d’ouverture de chaque monument :

Octobre, mars et avril : 9h-18h_
Novembre, décembre, janvier, février : 10h30 – 16h30_
Mai, juin, juilet, aout, septembre : 9h-19h_

Dernière entrée 30 minutes avant la fermeture.
Programme de l'année du Bicentenaire à Arles à télécharger ici : [https://arles.fr/publications/arles-en-photos-1826-2027/](https://arles.fr/publications/arles-en-photos-1826-2027/)
Plus de 200 photographies anciennes de la ville à découvrir à partir du 18 septembre 2026 sur [https://arles.fr/](https://arles.fr/)
Ce projet est labellisé Bicentenaire de la Photographie par le ministère de la Culture et s'inscrit dans la programmation officielle du Bicentenaire du 1er septembre 2026 au 30 septembre 2027.

Le festivale Les Villes Invisibles/NegPos a choisi la lettre U comme Ultraviolet pour le Dictionnaire (presque) complet de la photographie édité par le Réseau LUX. Le festivale Les Villes Invisibles/NegPos_ a choisi la lettre U comme Ultraviolet pour le Dictionnaire (presque) complet de la photographie édité par le Réseau LUX.

U - Ultraviolet •
Rayonnement lumineux invisible à l’œil nu, situé au-delà du violet dans le spectre. En photographie, il révèle ce que la lumière ordinaire ignore. Comme les villes invisibles, il suggère un autre niveau de réalité : formes cachées, traces, présences. Voir, ici, c’est dépasser le visible.

Les Villes Invisibles/NegPos •
Fondé en 2021, Les Villes Invisibles_ est un événement photographique initié par l’association NegPos à Nîmes. Il explore les relations entre image, ville et architecture à travers expositions, projections, recherches et actions pédagogiques. Ouvert à tou·te·s, il mêle photographie, art contemporain et réflexion urbaine dans une programmation ancrée localement et ouverte à l’international.

Le dictionnaire sera distribué gratuitement dans tous les festivals membres du Réseau LUX.

En 2026, le Musée international de la Parfumerie invite ses visiteurs à une exploration inédite des cultures olfactives traditionnelles des civilisations asiatiques. Tout à la fois instruments de la … En 2026, le Musée international de la Parfumerie invite ses visiteurs à une exploration inédite des cultures olfactives traditionnelles des civilisations asiatiques. Tout à la fois instruments primordiaux de la relation au sacré et attributs du pouvoir, stimulants de l’esprit et médecine du corps, agréments de la vie profane ou expression artistique à part entière, les senteurs sont omniprésentes dans les mondes asiatiques.

De la Chine au Japon et jusqu’au monde indien, ces univers olfactifs singuliers s’appuient sur une communauté de matières, de formes et d’usages. Une multitude de matières olfactives, d’origine végétale ou animale, communes ou précieuses, ont été employées dans les mondes asiatiques, à des fins rituelles, cosmétiques, alimentaires ou médicinales. L’origine, locale ou lointaine, de ces matières permet aussi d’évoquer leurs circulations commerciales. L’exposition propose une sélection de ces matières, des plus courantes, comme les fleurs ou les épices, aux plus exceptionnelles, bois et résines précieux, et substances quasi-fantastiques, comme l’ambre-gris.

Le cœur de l’exposition est dédié aux formes et aux usages des parfums en Asie. Un large panorama d’objets, de recettes et d’odeurs reconstituées permet d’appréhender les différentes formes et usages des matières parfumées dans les cultures asiatiques traditionnelles, leurs évolutions circulations et permanences de l’Antiquité à nos jours. Par cette évocation, nourrie de multiples dispositifs sensoriels et par une abondante iconographie, le Musée international de la Parfumerie de Grasse renoue avec sa portée universelle et sa volonté d’encourager le dialogue entre les cultures, à l’heure de la mondialisation de l’économie de la parfumerie.

L’exposition Parfums d’Asie bénéficie de prêts exceptionnels du Musée national des Arts asiatiques – Guimet, du Musée Cernuschi, musée des Arts asiatiques de la Ville de Paris, du Musée des Arts Asiatiques de Nice, et de nombreuses institutions françaises et étrangères.
Cette proposition s'inscrit dans le cadre de la valorisation des "savoir-faire liés au parfum en Pays de Grasse".

Gaza - Pas de mots - Découvrez l'exposition Face à une dévastation indescriptible, l’art devient un moyen d’expression puissant lorsque les mots ne suffisent plus.

Alors que les bombes s’abattaient sur Gaza, une Palestinienne, quelque part, enfilait un fil rouge dans un tissu blanc. Pour chaque vie perdue, chaque hôpital bombardé et chaque maison rasée à Gaza, une main palestinienne en dressait minutieusement le témoignage.
De Ramallah aux camps de réfugiés du Liban, et jusqu’en Nouvelle-Zélande, des femmes palestiniennes ont brodé 100 panneaux pour créer « la Tapisserie du génocide de Gaza », un témoignage collectif au point de croix qui refuse de laisser le monde oublier ce qui est fait et à qui.
La Tapisserie du génocide de Gaza est une suite audacieuse, bien que dévastatrice, de la Tapisserie de l’histoire de la Palestine (PHT), une collection primée de plus de 100 panneaux qui racontent l’histoire de la Palestine et des Palestiniens à travers la broderie traditionnelle palestinienne.
Ce nouveau chapitre, sous l’égide du Musée de la Palestine et du nouveau lieu d’accueil de la PHT, retrace les événements de plus de deux ans de génocide à Gaza entre 2023 et 2025.
Au cœur de la tapisserie se trouve le « tatreez », une tradition palestinienne de broderie vieille de plusieurs siècles, que l’UNESCO a inscrite sur sa liste du patrimoine culturel immatériel en 2021. L’art du tatreez, autrefois utilisé pour orner les robes de mariée, célébrer la vie et exprimer la tendresse et la couleur, rend désormais compte des fosses communes, des ruines et de la famine.

Du 31 octobre au 11 novembre 2026, le Cercle des Artistes de Saint-Paul-de-Vence accueille l\'exposition “Symphony naturelle”, présentée par Hélène Cauvin. La "symphonie naturelle" est à la fois une musique douce et…

Œuvres de Marie-Hélène Garrel, fusainiste et photographe. Vernissage jeudi 5 novembre à 18h30.

Expo photos annuelle du club Saint Gély Image, intitulée "Entrez dans la couleur !". Elle aura lieu du 6 au 15 novembre 2026, à la Salle de La Frégère, 457 Grand Rue à St Gély du Fesc. Annonce de l'expo photos annuelle du club Saint Gély Image,
intitulée "Entrez dans la couleur !".
Elle aura lieu du 6 au 15 novembre 2026, à la Salle de La Frégère, 457 Grand Rue à St Gély du Fesc.
Horaires : Semaine de 17h à 19h ; week-end de 10h à 12h30 et de 15h à 19h
Elle regroupera 56 photos de 24 photographes du Club.
Thème, format et support libres.
Vernissage le vendredi 6 nov à 18h.

Chaque premier dimanche de chaque mois à 15h, une visite guidée propose un regard neuf sur les œuvres emblématiques du musée. Durée : 1h30 – Gratuit, réservation recommandée au 04 98 10 26 85 – Nombre de places limité.

Venez découvrir l’exposition « Marc Bloch : vies, combats, héritages » dans la salle du trésor de Montmajour. À l’occasion de la panthéonisation de Marc Bloch, l’abbaye de Montmajour invite le public à redécouvrir cette grande figure de l’histoire, historien et résistant durant la Seconde Guerre mondiale, à travers une exposition présentée dans la salle du Trésor.
Historien majeur du XXe siècle, Marc Bloch a profondément renouvelé la manière de penser l’histoire. Ses travaux et les thématiques qu’il a explorées résonnent avec les missions de transmission et de valorisation du patrimoine portées par le Centre des monuments nationaux.
L’entrée de Marc Bloch au Panthéon, le 23 juin 2026, honore à la fois le savant et le résistant : un intellectuel engagé, convaincu que comprendre le passé est une exigence pour éclairer le présent et défendre les valeurs républicaines.
Pour le Centre des monuments nationaux, il est essentiel de célébrer, au sein de son réseau, l’un des fondateurs de l’histoire contemporaine, dont les travaux ont porté sur des sujets étroitement liés aux 110 monuments du réseau : le Moyen Âge, les rois thaumaturges, les paysages, entre autres.
À Paris, le Panthéon accueille, du 24 juin au 31 décembre, l’exposition « Marc Bloch, l’esprit de l’histoire ».
Cette exposition itinérante a été conçue en partenariat avec l’Association des professeurs d’histoire et de géographie.

Un historien d’exception, un résistant engagé : redécouvrez Marc Bloch à travers l’exposition conçue par l’Association des Professeurs d’Histoire et de Géographie.

Visite guidée - Les roches rouges Venez découvrir l'exposition temporaire Les roches rouges. Les mercredis et les dimanches à 11h, jusqu'au 29 novembre ! Jauge : 12 personnes - Durée 1h environ Visite guidée - Les roches rouges

Venez découvrir l'exposition temporaire Les roches rouges_.

Les mercredis et les dimanches à 11h, jusqu'au 29 novembre !

Jauge : 12 personnes - Durée 1h environ

Les Roches rouges, éclosion artistique dans l’Estérel à l’aube du XXe siècle (21 mai > 31 octobre 2026)

Pendant la belle saison 2026, explorez l’Estérel, paysage minéral éclatant sur fond de Méditerranée qui a séduit les peintres modernes !
Si Charles Camoin, Albert Marquet ou Louis Valtat présentent des vues du massif provençal au Salon d’Automne parisien de 1905 - lequel marque le début de l’aventure publique du fauvisme -, ils ne sont pas les seuls pour qui l’Estérel est devenu un motif de choix.
Et pour cause, l’endroit s’est depuis peu transformé en une “colonie nombreuse et distinguée d’artistes” ainsi que le décrivent les guides touristiques de l’époque.
Devenus aisément accessibles grâce à l’ouverture de la Corniche d’Or en 1903, le Trayas, Agay et Anthéor font l’objet de multiples interprétations pour ceux qui sillonnent la partie est du Var et le sud des Alpes-Maritimes. Le modelé rouge des roches escarpées, le contraste des tons bleus et verts de la mer avec ceux de la flore méditerranéenne offrent de formidables possibilités plastiques aux peintres en quête de couleurs vives, de lumière et de matière.
L’exposition explore la diversité des perceptions de l’Estérel en invitant les visiteurs à se plonger, de façon inédite, dans le contexte touristique de l’époque ayant pu favoriser l’essor de ce sujet dans les arts.

Réservation en ligne
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(https://billetterieculture.dracenie.com/visite-guidee-les-roches-rouges.html)

Assistez aux visites guidées de l’exposition temporaire Réservation au 04 98 10 26 85 ou par mail à [mba@ville-draguignan.fr](mba@ville-draguignan.fr).
Visite gratuite tous les premiers dimanches de chaque mois.

Hors-Série, Favret / Manez Hors-Série, Favret / Manez
L'exposition « Hors-série, Favret / Manez » bénéficie du label national « Bicentenaire de la Photographie » attribué par le ministère de la Culture dans le cadre de la célébration des 200 ans de l'invention de la photographie. Sélectionné à l'issue d'un appel à projets national, ce label distingue les initiatives présentant une exigence artistique et scientifique particulière et les inscrit dans la programmation officielle du Bicentenaire, organisée du 1er septembre 2026 au 30 septembre 2027.

Une Relecture Inédite de L'Œuvre D'Anne Favret et Patrick Manez
Depuis plus de trente ans, Anne Favret et Patrick Manez développent une œuvre photographique majeure consacrée aux paysages contemporains et aux territoires habités. Leur travail explore les relations entre espace, mémoire, usages et représentations à travers une observation attentive du réel.
Plutôt que de présenter leurs travaux selon une logique chronologique ou par séries constituées, l'exposition Hors-série propose une lecture transversale de leur œuvre. Images isolées, fragments de séries et motifs récurrents sont réunis dans un dispositif de montage qui fait apparaître les correspondances formelles et thématiques traversant l'ensemble de leur production.
Cette approche permet de déplacer le regard du sujet représenté vers la manière dont les photographies construisent notre perception du paysage et du territoire.
 
Des Territoires Proche et Lointains en Dialogue
L'exposition réunit des photographies issues de plusieurs ensembles emblématiques du duo, parmi lesquels Europe le plan B, Montreuil, Les arpenteurs, Hyperboréal, Antipolis ou encore Metroplex.
Qu'ils observent les transformations du paysage urbain européen ou explorent des dimensions plus fictionnelles du territoire, Anne Favret et Patrick Manez accordent une attention particulière aux signes discrets qui révèlent les usages, les temporalités et les imaginaires des lieux.
Les portraits, présents dans plusieurs séries, participent également à cette géographie sensible où se croisent paysages, architectures et présences humaines.

Une Création in Situ à Carros
Le projet comprend une sortie de résidence de création menée spécialement à Carros. Les artistes ont exploré le centre-ville et ses espaces du quotidien : rues, places, seuils d'habitation ou lieux de passage.
Les photographies réalisées à cette occasion sont intégrées à l'exposition selon le même principe de montage que les autres œuvres. Elles inscrivent ainsi le territoire de Carros dans la cartographie photographique développée depuis plusieurs décennies par les artistes et le mettent en résonance avec d'autres paysages européens.

Un Croisement Entre Création Artistique et Sciences Humaines
L'exposition accorde également une place à l'écriture et à la parole recueillie sur le terrain. Deux ensembles de textes viennent dialoguer discrètement avec les photographies et enrichir la lecture des territoires explorés par les artistes.
Des extraits d'entretiens réalisés par la sociologue Anouck Manez dans la région d'Egilsstaðir, à l'extrême est de l'Islande, accompagnent ainsi la série Hyperboréal. Recueillies auprès des habitants, ces paroles prolongent l'exploration photographique menée par Anne Favret et Patrick Manez et offrent un accès sensible aux expériences vécues du territoire.
L'exposition présente également des extraits de textes issus d'un travail d'enquête de terrain dirigé par Laurent-Sébastien Fournier et réalisé par des étudiants en L3 anthropologie et ethnologie de l’Université Côte d’Azur. À travers observations, rencontres et récits, ces contributions apportent un éclairage complémentaire sur les usages, les mémoires et les représentations du territoire carrossois.
En associant images et paroles, l'exposition propose une approche plurielle du paysage, envisagé à la fois comme espace physique, lieu vécu et construction culturelle.

Un Dialogue Avec la Collection du Ciac
Deux œuvres…

Commissariat : François Cheval, Yasmine Chemali Commissariat : François Cheval, Yasmine Chemali
Vernissage 30.10.2026, 18h30
Ce projet est labellisé Bicentenaire de la Photographie par le ministère de la Culture et s’inscrit dans la programmation officielle du Bicentenaire du 1er septembre 2026 au 30 septembre 2027.
Le monde d’aujourd’hui n’est qu’images. Celles-ci ont acquis une importance telle que leur statut les installe dans un univers à part. Certaines d’entre elles, les icônes, sont pourvues d’une aura supplémentaire, une puissance qui dépasse le cadre de leur origine et qui leur confère une vie propre. Le terme « icône » est depuis longtemps passé de la sphère religieuse au monde profane : certains personnages historiques ont pu accéder au rang d’icônes, avant que le monde du spectacle ne prenne leur place au panthéon des images. Mais comment définir une icône ? Qu’est-ce qui relie le Christ au Che, Marilyn Monroe à Lady Diana, les Beatles à Diego Maradona ? Comment devient-on une icône ? Et qui aujourd’hui peut prétendre à le devenir ? Peu importe la réalité ! L’icône est une création fictionnelle, une image fabriquée, un fantasme. C’est précisément dans cet écart entre réalité et projection que s’inscrit le rôle de l’image photographique. L’exposition interroge ainsi la manière dont l’industrie photographique participe activement à ce besoin profondément humain de se réinventer, de se projeter dans d’autres vies, d’autres corps, d’autres récits. En fabriquant, diffusant et amplifiant ces figures idéalisées, elle ne se contente pas de refléter le monde : elle contribue à façonner des imaginaires collectifs, à produire des modèles d’identification, et à nourrir ce désir persistant d’être autrement.

Découvrez l'Atelier Nebout, fondé en 1981 à Montpellier par Emmanuel Nebout et Laurence Javal : quatre décennies d'architecture au service des équipements publics et de la ville. L'Atelier Nebout // Lieux et Liens

L’Atelier a été créé par Emmanuel Nebout en 1981 à Montpellier, 3 ans après l’obtention de son diplôme. Rejoint en 1984 par Laurence Javal, son associée et épouse, ils ont forgé patiemment leur expérience et leur expertise par l’attention portée aux relations entre le « savoir » et le « faire » autant qu’à celle portée « aux choses et aux gens ».

L’Atelier accède, depuis sa création, à la commande par la voie des concours publics. Il a pu ainsi livrer de nombreux équipements d’enseignement, sportifs et culturels (avec des missions souvent étendues à l’étude des mobiliers, de l’éclairage, de la signalétique et de la scénographie), exprimant son attention au contexte et aux détails, et ses liens avec le monde de la conception, au sens large du terme. Il intervient également dans différents projets d’aménagement d’espaces publics et de renouvellement urbain.

Vernissage le mercredi 14 octobre à partir de 18h à La Fenêtre (1 place de la Comédie, 34000 Montpellier, entrée à droite sur le parvis de l'Opéra Comédie).
Exposition ouverte du 14 octobre 2026 au 6 mars 2027.
Horaires et jours d'ouverture : du mercredi au samedi de 13h à 18h.

« Photographier c'est comme pêcher ou écrire. C'est sortir de l'inconnu qui résiste et refuse de venir au jour. » — Jean Gaumy « Photographier c'est comme pêcher ou écrire. C'est sortir de l'inconnu qui résiste et refuse de venir au jour. » — Jean Gaumy

La Villa Tamaris centre d'art accueille « Jean Gaumy et la mer », une exposition conçue et produite par le Musée national de la Marine en partenariat avec la Médiathèque du patrimoine et de la photographie (MPP), où est aujourd'hui conservé le fonds exceptionnel du photographe. Première grande exposition consacrée aux photographies maritimes de Jean Gaumy, elle célèbre une figure majeure de la photographie contemporaine — membre de l'agence Magnum Photos, de l'Académie des beaux-arts et peintre officiel de la Marine. Aux quelque 150 tirages issus des collections de la MPP, le parcours présenté à la Villa Tamaris ajoute une sélection inédite de photographies plus personnelles.
Une vie face à la mer
Né en Charente-Maritime, à Pontaillac près de Royan, Jean Gaumy a grandi entre rivières et rivages. La pêche, découverte à neuf ans, a été pour lui une école du regard avant la photographie. « C'est en pêchant, enfant, que j'ai perçu et appris le métier de photographe : s'immerger, concentrer son champ de vision, isoler un acteur dans un environnement, tenter l'approche avec le corps, trouver la juste distance avec le sujet. » Installé à Fécamp depuis 1995, il n'a cessé de sillonner les mers du monde depuis ses débuts dans les années 1970 : d'abord à l'agence Viva, puis chez Gamma sur invitation de Raymond Depardon en 1973, et enfin chez Magnum Photos en 1977.
Le rythme de l'actualité brûlante correspond peu à ce photographe qui privilégie le temps long, l'enquête lente, le huis clos. Après ses séries fondatrices sur l'hôpital (1975-1976) et la prison (1976-1979), il fait de la mer son grand atelier, de la Normandie au Groenland en passant par l'Andalousie, Long Island, la Mauritanie...
Le parcours : un inventaire poétique du monde maritime
L'exposition dévoile, à travers une pluralité de supports — tirages, albums, brochures imprimées, diapositives et négatifs —, comment Jean Gaumy saisit avec une intensité rare des thématiques aussi diverses que la pêche artisanale, la pleine mer, le traumatisme des marées noires, le huis clos des sous-marins ou l'exploration des pôles. Du reportage documentaire à une poésie plus contemplative, le « style Gaumy » se révèle au fil de salles thématiques, mêlant images emblématiques et tirages plus confidentiels présentés au public pour la première fois.
La Boucane. À Fécamp, en 1977, Jean Gaumy découvre une conserverie de poisson dont l'énergie sonore et visuelle le sidère. De cet univers qu'il pressent disparaître, il rapporte un premier reportage photographique, puis revient cinq ans plus tard avec un magnétophone à cassettes, et tourne en 1984 son premier court métrage, La Boucane, nominé aux Césars en 1986. L'atelier fermera l'année suivante. La série est un hommage à « l'intimité chaleureuse de cette communauté de femmes, faite de complicité, de coups de gueule, d'éclats de rire, de chants et de silences au labeur ».
La almadraba. En 1982, à Barbate et Zahara de los Atunes, en Andalousie, le photographe documente une pêche au thon ancestrale, antérieure à l'époque romaine. La « chambre de la mort », filet central où s'engouffrent les thons venus de l'Arctique, donne lieu à des images d'une force quasi-mythologique, prélude à la grande série Pleine mer.
Long Island. En 1983, aux États-Unis, il suit une famille de pêcheurs professionnels d'Amagansett, menacés par la pression du tourisme. Ses images participent à l'ouvrage collectif Men's lives, publié en 1988 pour la défense de cette communauté.
Pleine mer. Hanté par le regret de n'avoir pas photographié les derniers terre-neuvas portugais, Jean Gaumy embarque en 1984 sur le chalutier Koros armé à La Rochelle, puis en 1992 et 1998 sur le Rowanlea armé à La Corogne. Malgré un mal de mer…

Une exposition événement à Martigues ! Du plateau d'Albion à Haïti, de Charleville à Paris, de Rome à Alger, de Martigues à Soweto, du Chili à la Palestine, Ernest Pignon-Ernest change les rues du monde en œuvres d'art éphémères. 200 œuvres puissantes et poétiques empreintes d'une grande humanité, mémoire de 60 ans de création, invitent chacun à ne pas oublier, à se questionner ou à réagir.

Depuis 2005, le Centre d'art contemporain de Saint-Restitut consacre chaque année une parenthèse au photojournalisme. L'édition de cette année permettra de de réfléchir à l'évolution du métier de qui… Depuis 2005, le Centre d'art contemporain de Saint-Restitut consacre chaque année une parenthèse au photojournalisme. L'édition de cette année permettra de de réfléchir à l'évolution du métier de photojournaliste.

Photographes qui ont été exposés à Saint-Restitut:
Hocine Zaourar (2005), Matthias Bruggmann, Jérôme Delay, Bénédicte Kurzen, Noël Quidu, Anthony Suau (2009), Stanley Greene (2010) , Marie Laure de Decker (2011), Alexandra Boulat (2012) Patrick Chauvel (2013), Noël Quidu, Laurent Van der Stockt, Jérôme Delay (2014), Edouard Elias,Corentin Fohlen,Capucine Granier-Deferre,Cyril Marcilhacy,Sebastien Van Malleghem (2015), Olivier Jobard, Claire Billet (2016), hommage à Stanley Greene (2017), Laurent Van der Stockt (2018), Mazen Saggar (2019), Gary Knight (2020), carte blanche à Jérôme Delay (2021), Laurence Geai (2022-2023), Edward Kaprov (2024-2025).

Tous seront présentés lors de la Parenthèse 2026.

Sur une proposition de Jérôme Delay, photojournaliste.

Venez découvrir ce monument emblématique de Haute-Provence lors d’un voyage à travers les siècles,…